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예술의 탄생 (: The Invention of Art)

2009-09-03T13:56:20+09:00

책소개

소 포클레스의 연극, 미켈란젤로의 조각, 셰익스피어의 문학, 모차르트의 음악, 스트랜드의 사진, 라이트의 건축에 이르기까지 저자는 시각예술만 논하던 기존의 좁은 스펙트럼을 해체하고 좀 더 넓고 깊은 예술의 세계로 독자를 이끈다. 과거 미술만을 ‘예술’로 논하던 시각에서 연극, 조각, 문학, 음악, 사진, 건축까지 총체적으로 아우르는 것이다. 또한 현재 통용되고 있는 근대적 예술 개념은 단지 200년 전에 유럽인들에 의해 만들어지고(invention) 탄생된 것이라고 이야기하며 예술에 대한 고정관념을 무너뜨린다. 학생들과 일반인들을 대상으로 하여 평이한 문체를 고수하면서도 과거 예술가들과 사상가들의 말을 인용하여 재미를 더하며, 역사적 맥락을 통해 새로운 시각으로 ‘예술’을 바라보고 철학, 역사, 시각예술을 자유롭게 넘나든다.18세기에 탄생한
가장 아름다운 발명품, 예술
예술은 인간이 끝없이 말할 수 있는 이야깃거리이며,
인간을 죽고 살게 할 수 있는 그 무엇이다.
그러나 사실 그 ‘예술’은 겨우 200년 전 유럽인들이 만들어낸 발명품에 불과하다!
소포클레스의 연극, 미켈란젤로의 조각, 셰익스피어의 문학, 모차르트의 음악, 스트랜드의 사진, 라이트의 건축 등등 지은이 래리 쉬너는 시각예술만 논하던 기존의 좁은 스펙트럼을 해체하고 좀더 넓고 깊은 예술의 세계로 우리를 이끈다.
과 거 미술만을 ‘예술’로 논하던 시각에서 연극, 조각, 문학, 음악, 사진, 건축까지 총체적으로 아우르는 것이다. 이 책은 역사적 맥락을 통해 새로운 시각으로 ‘예술’을 바라본다. 철학, 역사, 시각예술을 자유롭게 넘나드는 지은이는 우리가 가지고 있던 예술에 대한 고정관념을 일거에 무너뜨린다.

예술이란 무엇인가?
오늘날 우리는 사실 무엇이든지 ‘예술(art)’이라고 부를 수 있는 세상에서 살고 있다. 우리가 한없이 찬양하는 인간 정신의 마지막 도피처인 예술이 폭발적으로 넘쳐나는 현상의 이유 중 하나는 예술계가 ‘예술’과 ‘생활’을 합치려는 오랜 주제를 택했기 때문이다. 예술이 넘쳐나는만큼 예술에 대해 말하는 것은 간단하지 않다.
예술의 의미와 역할이 모호한 시대에 살고 있는 우리는 예술에 대한 개념도 제대로 잡지 못하고 있다. 현상학과 시각예술의 권위자인 저자 래리 쉬너는 역사적 맥락에서 예술을 보자고 한다. 우리는 어떻게 여기까지 오게 되었을까. 예술이라 불리는 것들이 늘어만 가고 예술과 생활을 합치려는 열망에 찬 시도를 이해하려면, 먼저 순수예술의 근대적 개념과 제도들이 어디서부터 기인했는지 알아봐야 한다고 주장한다.
저자는 우리가 현재 운명이나 진리처럼 믿고 있는 근대적 예술 개념이 단지 200년 전에 유럽인들에 의해 만들어지고(invention) 탄생된 것이란 사실을 일깨운다.

예술가 대 공예,
예술가 대 장인으로 분리되다
계 몽주의로부터 등장한 다른 많은 개념들처럼 유럽식 순수예술이 전인류적인 개념으로 받아들여졌다. 고대에 만들어진 대부분의 작품들이 만들어졌던 당시의 목적과는 상관없이 박물관에 전시되자마자 순수하게 미적으로 주목받는 위치로 올라선다. 저자는 이 시점에서 의문을 던진다. 각각의 민족과 시대들의 활동이나 공예품들을 우리가 아는 혹은 익숙한 유럽식 예술 개념으로 융화시키려는 오래된 행동을 철저하게 재고해보라고 일갈한다.
18세기 이후 형성된 유럽식 예술사관으로는 더 이상 미학이나 예술사를 연구할 수 없으며 음악, 미술, 문학에 대한 비평을 할 수 없다는 결론에 도달한 저자는 18세기를 전후로 한 예술의 분리를 파헤치며 현재와 같은 결과를 초래한 문화적, 역사적 차이점들을 연구해왔다. 오늘날에는 많은 예술가들이 모든 매체에서 예술의 경계를 허물고 ‘예술’과 ‘일상생활’의 분리를 극복하려는 듯이 보인다. 이런 점에서도 18세기에 일어난 예술의 분리는 오늘날 다시 조명해 볼 필요가 있으며, 이 근대 순수예술 체계의 양극성을 극복하기 위한 노력에도 특별한 관심을 기울여야 한다.

“만일 우리가 공예에 대한 예술의 승리, 장인을 넘어선 예술가, 기능과 일상적인 즐거움에 대한 미적 즐거움의 필연적인 승리를 중심으로 예술사를 쓰지 않았다면, 순수예술의 개념과 제도에 관한 이야기는 과연 어떠했을까? 또한 우리가 상상력과 기술, 즐거움과 용도, 자유와 봉사를 함께 포용하려 했던 예술 체계에 좀더 우호적인 시각으로 역사를 썼다면 어떠했을까? 그렇게 되었더라면 근대 예술 체계의 구조는 지금처럼 우리가 치유해야만 하는 분열된 상태가 아니라 거대한 해방에 가까웠을지도 모른다.”

미술 · 음악 · 문학을 꿰뚫는 미학의 역사
이 책의 장점은 예술이라 하면 흔히 미술사만 다루던 좁은 관점에서 벗어나 문학, 음악, 건축, 사진 등 시각예술을 중심으로 한 넓은 영역을 다룬다는 것이다. 자신이 가르치는 학생들과 일반인들을 대상으로 했기 때문에 평이한 문체를 고수했지만 과거 예술가들과 사상가들의 말은 많이 인용해서 재미를 더했다. 또 말보다 그림이 효과적으로 전달할 수 있는 단락에서는 사진과 그림들을 사용했다.
총5부로 이뤄진 이 책에서 '1부 순수예술과 공예 이전'과 '2부 분리된 예술'은 중심 역할을 한다. 이천 년 전의 과거로 돌아가 사례들을 탐구하면서 이 시기의 ‘예술’이란 목적을 위해 인간이 만들어 낸 것을 뜻했으며 예술가와 장인도 구분되지 않았다는 점을 보여준다. 또 르네상스 시대에 예술과 예술가의 근대적 이상이나 미학이 확립되었다는 흔한 믿음에 반박한다. 그리고 우리의 미적 개념이 제도에 의해 형성되는 과정을 살펴본다. 1, 2부에서는 사회적, 경제적 양상 뿐 아니라 성性 역할에 대해서도 탐구한다.
'3부 역류'에서는 제도에 휩쓸려 무관심하게 받아들여지는 미적 개념에 대한 저항들을 제시하며 프랑스혁명으로 인해 더욱 빨리 도래해버린 새 체계를 살펴본다. '4부 예술의 신격화'에서는 19세기에 들어 예술이 최상의 가치를 지닌 그 무엇으로 격상되는 과정을 보여주며 순수예술로서 굳건히 완성된 체계를 논한다. '5부 순수예술과 공예를 넘어서'에서는 20세기 초에 일어난 여러 예술 장르를 사례로 순수예술 대 공예의 분리에 관한 동화와 저항의 과정을 정리했다.
책의 어느 부분부터 읽기 시작해도 무리가 없고 현재와 맞닿아 있는 5부를 읽으면서 사진, 건축, 음악, 영화 얘기로 흥미롭게 시작해도 좋다. 하지만 예술과 공예, 예술과 생활로 분리된 체계 이후의 사람들이 왜 이를 극복하려고 노력했는지에 대한 기본 맥락을 잡으려면 1부를 먼저 읽을 것을 권한다. [예스24 제공]

작가소개

저자 | 래리 쉬너 래리 쉬너 Larry Shiner
미 국 일리노이 대학 스프링필드 캠퍼스의 명예 교수이다. 프랑스 Universite de Strasbourg에서 현상학과 실존철학으로 박사 학위를 받은 그는 1971년부터 일리노이 대학에서 철학, 역사, 시각예술을 가르쳤다. 저서로 『Secret Mirror: Literary Form and History in Tocqueville's "Recollections"』, 『The Secularization of History: An Introduction to the Theology of Friedrich Gogarten』등이 있다. [도서11번가 제공]

책머리에 : 미술.음악.문학을 꿰뚫는 미학의 역사
들어가는 글 : 예술 대 공예, 예술가 대 장인으로 분리되다

1부 순수예술과 공예 이전

1장 고대 그리스에는 예술이라는 단어가 없었다
예술 테크네 아르스 · 장인/예술가 · 미와 기능

2장 아퀴나스의 톱
‘종속적’ 예술에서 ‘기계적’ 예술로 · 기술자들 · 미의 개념

3장 미켈란젤로와 셰익스피어--떠오르는 예술
교양예술 학과의 시작 · 변화하는 장인/예술가의 지위 · 장인/예술가의 이상적인 특성들 · 셰익스피어, 존슨 그리고 ‘작품’ · 미적 원형?

4장 아르테미시아의 알레고리--과도기의 예술
장인/예술가의 신분 상승을 위한 끊임없는 투쟁 · 장인/예술가의 이미지 · 순수예술의 범주를 향한 발걸음 · 취미의 역할

2부 분리된 예술

5장 품위 있는 계층을 위한 고상한 예술
순수예술의 범주 구축하기 · 순수예술의 새로운 제도들 · 새로운 예술대중

6장 예술가, 작품, 시장
장인에서 분리된 예술가 · 예술가의 이상적 이미지 · 장인의 운명 · 천재의 성별 · ‘예술 작품’의 이상 · 후원제도에서 시장체제로

7장 취미에서 미의식으로
미적 행위 익히기 · 예술대중과 취미의 문제 · 미적 요소들 · 칸트와 실러가 미의식을 정리하다

3부 역류

8장 호가스, 루소, 울스턴크래프트
호가스의 ‘쾌락주의적 미학’ · 루소의 축제미학 · 울스턴크래프트와 정의의 미

9장 혁명
후원제도의 붕괴 · 혁명적인 축제 · 혁명적인 음악 · 혁명과 박물관

4부 예술의 신격화

10장 구속적 계시로서의 예술
독립된 영역으로서의 예술 · 예술의 정신적 고양

11장 예술가--신성한 소명
예술가의 숭고한 이미지 · 장인의 전락

12장 침묵--미의식의 승리
미적 행위 학습하기 · 미의식의 부흥과 미의 쇠락 · 예술과 사회의 문제

5부 순수예술과 공예를 넘어서

13장 동화와 저항
순수예술로의 동화: 사진 · 다양한 형태의 저항: 에머슨, 마르크스, 러스킨, 모리스 · 예술공예운동

14장 모더니즘, 반-예술, 바우하우스

모더니즘과 순수성 · 사진의 경우 · 반-예술 · 바우하우스 · 예술의 분리에 대한 세 철학자-비평가의 견해 · 모더니즘과 형식주의의 승리

15장 예술과 공예를 넘어서
‘원시’예술 · 예술로서의 공예 · 예술로서의 건축 · 예술로서의 사진 붐 · 문학의 죽음? · 대량예술 · 예술과 생활 · 공공예술

주
참고문헌
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정리

이미지와 해석_마르틴 졸리

2009-09-03T13:30:36+09:00

이미지와 해석 L`image et son interpretation (2002) 기본 카테고리

2009.09.03 13:26 아티스트클럽 Edit

책소개

시각적, 시청각적 메시지의 해석은 아직은 불가사의한 자료들을 변환시키고 보존하는 심적인 활동이다.
메시지 자체의 분석이 메시지의 생산과 수용의 맥락과 관련해 이루어지든 아니든, 그것이 메시지가 지각하도록 제시하는 것에 대해 무언가를 가르쳐 준다 할지라도, 메시지를 해석하는 수신자가 그것에 대해 이해하고 유념하는 것이 무엇인지에 대해 정보를 제공하는 것은 아니다.
신문 /잡지.비평 혹은 문학이 이미지와 관련해 개진하는 담론에 대한 분석은 본서에서 영화.신문/잡지 혹은 텔레비전에서 나오는 다양한 이미지들의 연구와 교대된다. 그렇게 하면서 이 책이 분명히 밝혀내는 것은 관객의 기대이고, 기대의 만족 혹은 실망의 표출이다. 이 책은 작품들의 성격이 어떠하든, 그것들이 대개의 경우 '믿기'에 속하고 공감 유형들을 불러일으킨다는 점을 보여준다. 이 유형들의 기억작용은 관객의 참여나 수용성에 따라 조절되며, 결국 그는 조작을 받기보다는 더 자율적이며, 희생자라기보다는 더 유혹을 받는 존재이다.
이미지의 해석 메커니즘을 이해하기 위한 이와 같은 독창적인 접근을 통해, 본서는 시각적 소통과 의미작용의 방식들을 분석하는 모든 사람달의 관심을 불러일으킬 것이다. [엘리트2000 제공]

표지글

[표지글]

이 책은 작품들의 성격이 어떠하든(기록물 혹은 픽션), 그것들이 대개의 경우 '믿기'(믿음)에 속하는 공감 유형들을 불러일으킨다는 점을 보여준다. 이 유형들의 기억작용은 관객(시청자)의 참여나 수용성에 따라 조절되며, 결국 그는 조작을 받기보다는 더 자율적이며, 희생자라기보다는 더 유혹을 받는 존재이다. 이미지의 해석 매커니즘을 이해하기 위한 이와 같은 독창적인 접근을 통해, 본서는 시각적 소통과 의미작용의 방식들을 분석하는 모든 사람들의 관심을 불러일으킬 것이다.

작가소개

저자 | 마르틴 졸리
미 셜 드 몽테뉴 - 보르도 3대학 교수이다. 그녀는 특히 프랑스와 여타 다른 나라들에서 이미지와 오디오비주얼에 대한 수많은 연수교육을 실시하는 데 참여했다. 저서로는 나탕 출판사에서 기획한 ‘128’ 총서 시리즈로 「이미지 분석 서설」과 ‘나탕 시네마’총서 시리즈로 「이미지와 기호(이선형 옮김, 동문선, 2004)」가 있다. [리브로 제공]

역자 김웅권

한국외국어대학교 불어과를 졸업하고 프랑스 리모주대학교에서 문학 석사, 프랑스 몽펠리에 III대학교에서 앙드레 말로의 소설 전공으로 문학 박사를 획득했다. 학위 논문은 《앙드레 말로의 소설 세계에 있어서 의미의 탐구와 구조화》이다. 귀국 후 한국외국어대학교, 성균관대학교, 홍익대학교, 건국대학교 등 여러 대학에서 강의를 했으며, 한국외국어대학교 외국문학연구소 연구원과 학술연구교수, 한남대학교 객원교수를 역임하였다.
그 동안의 업적으로는 프랑스와 미국 등 국내외 학술지에 앙드레 말로에 관한 논문 20여 편을 내놓았으며, 《앙드레 말로 ― 소설 세계와 문화의 창조적 정복》(프랑스학회 출판 장려상 수상) 《말로와 소설의 상징시학 ― 『왕도』 새로 읽기》《앙드레 말로의 문학 세계 ― 동서 정신의 대화》 등의 저서를 출간했다. 또 앙드레 말로의 국제적 전문가로서 한불문화협회와 함께 “서울 앙드레 말로 국제학술대회”를 개최하고 일본의 앙드레 말로 국제학술대회에 한국 대표로 참가하는 등 왕성한 활동을 펼쳐왔다. 뿐만 아니라 자크 데리다, 롤랑 바르트, 폴 리쾨르, 가스통 바슐라르, 피에르 부르디외, 파스칼 브뤼크네르 등의 프랑스 인문서를 40권 이상 번역 소개하여 한국 인문학의 발전에 기여하였다.

목차 - 서론

제1장 ‘…에 대한’ 담론
1. 비평적 담론
2. 문학에서 영화
3. 《마의 산》에서 다른 이미지들
4. 해석적 영향
5. 결론

제2장 관객의 기대
1. 부재하지 사진
2. 보이지 않는 것과 전능한 맥락
3. 세계/가상적/이미지
4. 이미지와 진실
5. 결론

제3장 믿기: 기록 영화와 픽션 사이에서
1. 의도/해석
2. 기록 영화, 역사의 증거?
3. 기록 영화에서 픽션으로 이동: 이동
4. 이미지를 (그럴 법하다고)믿기?
5. 결론

제4장 이미지의 해석: 기억, 틀에 박힌 표현, 유혹 사이에서
1. ‘작용 이미지,’미디어적 이미지?
2. 틀에 박힌 표현과 TV
3. 거친 표현적 몽타주(영화에서 TV까지)
4. 미디어적 이미지와 역설의 수사학
5. 이미지의 분석, 해석 그리고 작품으로의 회귀
6. 회고와 결론

- 총괄적 결론

- 참고 문헌
- 역자 후기
- 색인

[리브로 제공]

역자후기

마르틴 졸리, 김웅권, 동문선, 2009

<이미지와 해석> : 이미지의 작동과 그 메커니즘

문 화적 차원에서 볼 때, 신문/잡지나 영화 혹은 텔레비전이나 인터넷 등과 같은 온갖 매체가 전달하는 고정된 이미지 혹은 동영상을 통해 이미지와 접촉하기 이전에는 인간은 회화나 문학 작품이라는 매체를 통해 그것과 만났다. 그렇기 때문에 예컨대 우리는 그리스 신화와 호메로스의 문학에서부터 상상력을 통한 무궁한 이미지의 세계와 마주한다. 그리스의 문화에서 플라톤 이후로 철학(과학)이 학문의 권좌에 오르고 철학자가 사회의 ‘입법권’을 행사하기 이전에는 시/문학과 시인이 그런 영예를 누리고 있었다. 이런 이유로 오스발트 슈펭글러 같은 역사가는 《서양의 몰락》에서 그리스 문화의 영혼을 ‘예술적 영혼’이라 명명했다. 그러니까 시/문학과 철학의 건곤일척에서 시가 패배하여 지배적 주도권이 철학으로 이동하기 전까지는 시/문학(조각․회화)은 찬란한 예술적 이미지들을 쏟아내면서 그리스 문화를 주도했던 것이다. 현대 해체철학의 선구자로 인식되고 있는 니체는 소크라테스, 그러니까 플라톤 이전의 신화와 예술 세계에 경도되어 그 속에서 새로운 미래를 보면서 소크라테스를 강력하게 비난했다.

왜 플라톤은 시와 예술을 폄하하고 이미지를 하대했던가? 주지하다시피, 그는 우리가 몸담고 있는 현실세계를 이데아의 그림자에 불과하다고 했다. 그는 그런 그림자를 모방하여 이미지로 그려내면서 유희를 하는 시나 예술은 그림자의 그림자 차원에 머물 뿐 아니라 인간을 타락시킨다고 보았던 것이다. 철학이 지배하는 시대가 가고 중세의 종교 시대를 거쳐 다시 철학(과학)의 시대가 도래한 후, 어떤 정점의 지대를 지나자 시와 예술 그리고 이미지는 새로운 탄생을 하고 있다. 플라톤 이래로 이데아적 진리와 이상적 목표를 향한 오랜 금욕의 직선적․역사적 세월이 끝나고 예술과 이미지가 주축이 된 그리스적 문화의 시대가 다시 열리고 있는 것일까.

이 데아로 표상되는 천상에서 지상으로의 방향 축이 18세기에 본격적으로 이루어져 20세기에 플라톤의 철학이 해체되기까지, 어쩌면 서양 문명은 이와 같은 예술의 새로운 개화를 위해 그토록 기나긴 인고의 담금질을 해왔는지 모른다. 사실 현실의 양면, 빛과 어둠, 선과 악, 행복과 불행, 전쟁과 평화, 사랑과 증오, 참과 거짓까지 온갖 이원적 대립관계들에 대한 인식론적 각성이 있을 때에만 우리는 두 눈을 통한 감각적․감성적 세계를 긍정하고 관념적 이데아를 향한 초월을 단념할 수 있다. 플라톤이 절대선을 주장하는 순간 절대악이 전제되어야 한다. 악이 없는 상황에서는 선이 무엇인지 인식한다는 것은 불가능하다. 그러니까 인식론적으로 선은 악을 그림자나 ‘흔적’처럼 동반하며 악에 일정한 빚을 지고 있는 셈이다. 선을 행하고 선이 존재하기 위해선 악이 존재해야 해야 하기 때문이다. 그런데 어떻게 악을 쓸어버리고 없앨 수 있으며 무조건적으로 배제할 수 있겠는가. 인간이 긍정적 가치들을 추구하기 위해선 반드시 부정적 가치들이 전제되어야 한다. 바로 여기에 동물과 달리 의식을 가지고 의미를 추구하는 인류의 어려운 ‘인간 조건’이 있다. 그리스 신화를 상기해보자. 최고신인 폭군 제우스를 비롯해 신들이 선악을 넘어서 유희하는 이미지가 밀려온다. 신화는 이런 인간 조건을 극복하여 예술적 차원에서 불멸화시키고 있다. 불멸하는 신들의 이미지는 니체의 말대로 ‘선악을 넘어서’ 선악을 놀이의 경지에서 구현하고 있다. 그러니까 그리스의 예술과 신화는 인간의 ‘비극적’인 이원적 조건을 초월하게 해주는 유일한 지평이었던 것이다. 그러나 그런 부정적 가치들을 수용하는 예술과 신화는 사회적 차원에서는 위험성을 내포하고 타락할 경우 혼란을 초래할 수 있다.

아 마 플라톤은 소크라테스의 죽음이 암시하듯이, 이런 사태를 타개할 길로서 폴리스에서 시인을 추방하고 철인 정치를 구현하고자 했을 것이다. 그러니까 이 철학자는 위와 같은 이원적 구조에서 부정적인 가치들의 존재 이유를 모르고 있었던 게 아니라, 데리다의 식으로 말하면 ‘은폐’했다 할 것이다. 선이 악에 빚지고 있다는 인식은 얼마나 위험한가. 사실 기독교를 들여다보면, 종말론에서 천국(선)과 지옥(악)은 영원히 갈라지지만 천국은 지옥이 있음으로써만 인식론적 가치가 있다. 그러니 천국은 지옥에 빚을 지고 있고, 천국에 진입한 자들은 지옥에서 영벌을 구현하는 존재들을 통해서만 자신들의 지복을 인식할 수 있으니, 역설적으로 이들에게 빚을 지고 있는 것이다. 아마 모든 사념의 세계를 초월하고 생성의 세계를 넘어서는 불교적 해탈만이 이런 양면적 세계로부터 벗어날 수 있을 것이다.

플 라톤이 거부한 현실세계, 감각세계, 두 눈으로 들어오는 이미지의 세계는 이와 같은 인식론적 성찰과 맞물려 있다. 플라톤 철학을 음지에서 가능하게 해주는 부정적 요소들이 없어지면 이 철학 자체가 성립하지 못한다. 이 부정적 요소들은 보이지 않게 이 철학의 바깥에 있는 것 같지만 이미 그 안에 들어와 그것을 받쳐주고 있는 것이다. 이를 규명한 게 해체철학이다. 이렇게 플라톤의 이데아 철학이 해체되었을 때 이원적 현실은 본래의 신화적 힘을 되찾을 수 있고 시/문학과 이미지의 예술 세계는 그리스적 권리를 되찾을 수 있는 것이다.

어 쩌면 지금 우리는 예술과 이미지가 이런 권리를 회복하는 세기에 살고 있다 할 것이다. 이제 이미지가 침투하지 않은 영역은 없다. 플라톤 이래로 오랜 세월 동안 이미지에 대해 지녀온 편견이 서구 문화 속에 아직 살아 있지만 말이다. 가스통 바슐라르는 이렇게 말했다. “우리가 이미지의 세계에 속하고 있음은 관념의 세계에 속하고 있다는 것보다 더 강력하며 우리의 존재를 더 많이 구성한다.” 이미지는 이미 “정신적 기원”에 자리 잡고 있는 것이다. 이 이미지에 대한 해석의 기본 틀은 문학 작품 속에 있다. 뿐만 아니라 롤랑 바르트의 말대로, 이미지에 대한 모든 해석은 언어적 담론으로 표현된다는 점에서 기호학은 일정 부분 언어학에 의존할 수밖에 없다.

본 서의 저자는 기호학자 움베르토 에코가 정리한 분류에 따라 그 어떤 작품이든 이것을 해석하는 데 세 가지 의도가 작동하고 있음을 상기하는 데서 출발한다. 저자의 의도, 작품의 의도, 그리고 독자의 의도가 그것이다. 여기서 한스 로베르트 야후스의 수용 미학 이후 부각된 독자의 의도가 새롭게 각광 받으며 창조적 글쓰기를 생산해내고 있다. ‘아는 만큼 보인다’는 말이 있듯이, 독자는 자신의 교양과 문화적 맥락을 벗어나서는 작품을 이해할 수 없고 의미를 생산할 수 없다. 어쨌거나 해석은 기본적으로 이와 같은 삼각 축이 상호 작용하는 가운데 전개되지만 그 구체적 메커니즘들은 상당히 복잡하다.

저 자는 이미지 해석의 메커니즘들을 밝히는 데 있어서 자신의 연구의 방향과 틀을 서론에서 자세히 설명하고 있고 연구 내용을 총괄적 결론에서 다시 한 번 점검하고 있다. 따라서 독자가 서론을 읽어보면 이 책에 대한 개괄적 이해를 얻을 수 있으리라

한 가지 특기할 것은 저자가 책의 마지막에서 바르트의 학문적 여정을 되돌아보면서 이 기호학자가 열어놓은 이미지 해석의 지평을 재평가하는 작업을 하고 있다는 점이다. 그러니까 그는 바르트가 이룩한 업적에서 과소평가되거나 잊혀진 측면들을 짚고 넘어감으로써 학계가 그에 대해 진 빚을 인정해주기를 기대하고 있는 셈이다. 이 마지막 부분은 위대한 영감의 소유자는 다방면에 걸쳐 폭넓은 연구 영역을 개척해준다는 사례를 다시 한 번 확인케 해주고 있다.

방법론적 차원에서 이미지 해석에 대한 집중적 연구서가 국내에 별로 소개되지 않은 상황에서 본서는 이 분야의 탐구에 좋은 안내서가 될 수 있을 것이다.

[출처] 마르틴 졸리의 <이미지와 해석> : 이미지 해석의 메커니즘|작성자 예파헌

럭셔리 브랜드 경영

2009-09-03T13:27:02+09:00

Luxury brand management

미셀 슈발리에, 제럴드 마짤로보
손주연 역, 미래의창, 2007, 544p

책 소개
『럭셔리 브랜드 경영』은 럭셔리의 전 부문을 총괄적으로 다룬 최초의 경영학 서적이다. 이 책을 공동 저술한 두 명은 파코 라반느, 로에베, 발리, 페라가모 등 유명 럭셔리 기업의 현장에서 풍부한 경험을 쌓고, 각기 하바드와 콜롬비아 석,박사 출신으로 ESSEC을 비롯한 유럽 유수 경영대학원에서 럭셔리 MBA 코스를 강의하는 럭셔리 분야의 전문가이다. 그들은 하나의 브랜드가 세계적인 ‘럭셔리’로 인정되기까지 어떤 과정을 거치고 어떤 도전을 이겨내야 하는지를 자세히 설명한다.

특히 럭셔리 산업의 각 부문별 특성을 정리하고 세계적인 고객의 유형을 제시하였을 뿐만 아니라 물류와 라이센싱, 브랜드 아이덴티티, 커뮤니케이션과 창의성 관리 등 경영의 세부적인 분야를 체계적으로 분석하였다. 또한 이제까지 베일에 가려 있던 주요 럭셔리 브랜드의 매출과 수익 등 재무적인 수치를 제시함으로써 이 거대 시장의 메이저 플레이어들이 실제 어느 정도의 경영 실적을 보이고 있는지를 알려주고 있다. 다른 곳에서는 접하기 어려운, 주요 럭셔리 기업들의 부문별 수치와 통계들은 럭셔리 업계뿐 아니라 경영학 전공자들과 언론인, 특히 금융분석가들에게도 통찰력 있는 분석을 제공할 것이다.
럭셔리, 이제는 경영이다.
꿈의 산업인 럭셔리 분야를 경영학적인 시각으로 해설한 최초의 ‘명품학’ 경영서
‘메이드 인 코리아’럭셔리 브랜드의 탄생을 위해 반드시 읽어야 할 책

럭셔리의 순기능과 역기능에 대한 논쟁이 끊이지 않고, 사치와 과소비를 우려하는 목소리가 우리 주변을 배회하고, 수많은 사람들이 럭셔리의 ‘허상’을 얘기한다. 역설적이게도 이 모든 것들은 ‘럭셔리의 거부할 수 없는 매력’을 더욱 강조할 뿐이다. 도대체, 왜 우리는 그다지도 럭셔리에 끌리는 것일까?

당신이 알고 있는 프랑스 브랜드를 한번 말해보라. 대부분의 사람들은 ‘샤넬’이나 ‘루이비통’ 혹은 ‘피에르 가르뎅’을 떠올린다. 프랑스 거대 자동차 기업인 ‘푸조’에 비한다면 이들의 매출액은 보잘 것 없는 수준임에도 불구하고, 브랜드 가치는 최강이다.
이탈리아도 마찬가지이다. ‘구찌’와 ‘프라다’, ‘에르메네질도 제냐’와 같은 브랜드들이 그 나라를 휘감고 있다.
여기서 이들의 매출과 순익, 종업원의 수 등 일반적인 비즈니스 규모를 따지는 것은 무의미하다. 어떤 브랜드들은 순전히 라이센스를 통한 수입에 의존하기도 한다. 그렇다면 이토록 높은 ‘브랜드 인지도’는 무엇의 산물인가?

저자들은 럭셔리 브랜드의 높은 인지도가 ‘고객들의 높은 관심’에서부터 나온다고 말한다. 사람들의 머리 속에 한번 ‘럭셔리’로 각인된 브랜드는 웬만해서는 퇴색되지 않는다. 또한, 럭셔리는 매우 특수한 분야로 그 비즈니스에 적용되는 ‘게임의 룰’은 비럭셔리 업계와 크게 다르며 성공하기 위한 조건도 명백하게 다르다. 이 비즈니스에서 최대의 적은 다름 아닌 ‘비용 절감’이다.

가내수공업의 전통이 강한 대부분의 럭셔리 브랜드들이 오늘날에도 가족 기업의 형태로 남아 있거나 규모를 늘리지 않고 있음에도 불구하고, 최근 들어 세계의 럭셔리 시장은 아시아를 중심으로 급격한 팽창을 보이면서 거대 산업군으로 탈바꿈하고 있다. 과거에는 상류층 소수만의 점유물이었던 럭셔리 제품은 이제 세계 각국의 중산층들이 1년에 한 번 정도 꿈꾸는 품목이 되었다. ‘럭셔리의 대중화’가 급격히 이루이지고 있는 것이다.
이런 사회경제적 현상은 럭셔리 산업을 보다 체계적으로 연구하고자 하는 열망을 낳았고, 럭셔리 브랜드의 본거지인 유럽, 특히 프랑스와 이탈리아가 그 영역의 선두에 서고 있는 것은 자연스러운 현상이다. 이 가운데서도 프랑스의 유명 그랑제콜인 ESSEC International Business School이 개설한 럭셔리 MBA가 대표적인데 최근 ESSEC은 서울대학교 경영대학원과도 복수학위 협정을 체결한 바 있다.

본서의 공저자 중 하나인 미셀 슈발리에 박사는 ESSEC의 럭셔리 MBA 코스 교수로 재직하였으며 비즈니스 현장과 학계에서의 모든 경험을 이 책에 오롯이 담아냈다. 또 다른 저자인 제럴드 마짤로보는 특히 발리 브랜드의 재출시에 큰 공을 세운 럭셔리 업계의 대가로 현재 유럽 유수 경영대학원의 럭셔리 MBA 강의를 맡고 있다. [예스24 제공]
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작가 소개
저자 | 미셀 슈발리에
럭셔리 비즈니스 현장에서 풍부한 경험을 쌓은 미셸 슈발리에는 하버드 경영대학원에서 마케팅 및 리테일링 경영학 박사를 취득하였으며 INSEAD와 ESSEC 비즈니스 스쿨에서 럭셔리 비즈니스를 강의하였다. 학계와 업계에서 동시에 활동하고 있는 슈발리에 박사는 파코 라반느 향수 부분의 총괄 책임자로 일하였으며 블루벨 아시아(Blubell Asia)와 레비용 그룹(Revillon Group)의 사장을 역임하였다. 현재는 EIM의 파트너이며 파리 도핀 대학교(Paris Dauphine Univ.) 및 기타 경영대학원(ISML, Sup de Luxe)에서 럭셔리 MBA 코스를 강의하고 있다. 리테일링에 관한 다수의 글을 발표하였으며 제럴드 마짤로보와 공저한 <프로 로고>는 5개 언어로 출간된 바 있다.콜롬비아 대학교 MBA 출신인 제럴드 마짤로보는 아더 앤더슨에서 컨설턴트로 일하였으며 살바토레 페라가모를 통해 럭셔리 업계로 입문하였다. 페라가모에서 7년 근무한 후, 마짤로보 교수는 로에베와 발리 등의 럭셔리 기업의 사장 및 CEO를 역임하였다. 다수의 다국적회사들을 대상으로 전략적인 브랜드관리 컨설팅을 제공하였으며, 업계 및 학계에서의 경험을 체계화하여 <프로 로고>를 공저하였다. 현재 스페인 마드리드에 소재한 인스티튜토 데 엠프레사(Instituto de Empresa)와 이탈리아 밀라노에 위치한 인스티튜토 유로페오 디 디자인(Instituto Europeo di Design)의 객원교수이다. 이 밖에도 브랜드와 미학 경영에 대한 활발한 강연활동을 펼치고 있다. [인터파크 제공]

목차
추천사 크리스토퍼 우드 (에스테 로더 컴퍼니즈 한국 지사장)
한국어판 서문

서문

- 럭셔리 정의 ; 세 개의 기준 - 뚜렷한 예술적 컨텐츠, 장인정신이 깃들여야, 국제적이어야
. 예술적 컨텐츠
오브제의 세계에서 미학적 요소는 브랜드를 세계적인 이미지로 만드는 데 절대적이다.
제품이라기 보다는 오브제 - 감성적인 무언가가 있는 아름다운 오브제=예술작품이어야.
오브제 <미술>초현실주의 미술에서, 작품에 쓴 일상생활 용품이나 자연물 또는 예술과 무관한 물건을 본래의 용도에서 분리하여 작품에 사용함으로써 새로운 느낌을 일으키는 상징적 기능의 물체를 이르는 말. ≒어셈블리지.
. 장인정신
럭셔리 산업이란 결국 소비자들이 사고 싶고 선물로 받고 싶은, 아름답고 예술적인 장인정신이 깃들인 오브제를 디자인하고 생산하는 것이다.
. 국제적
전세계적으로 동일한 평가를 받아야 하며, 세계 어디서나 눈에 띄어야 한다.(로컬제품 럭셔리X)

01 럭셔리 산업의 특수성

*럭셔리 산업을 특별하게 만드는 것 30

- 럭셔리 브랜드들은 규모는 작지만 아주 강력한 인지도를 지니고 있다.
- 규모가 아주 작다 / 생산업무는 주로 하청외주 / 창의성외에 럭셔리 산업의 중요한 부분은 판매
- 럭셔리 회사는 수익을 잘 내지 못한다. 그러나 손해를 감수하는 이유는 1) 브랜드의 가치 2) 브랜드
가 일단 성공하면 단번에 수익성이 좋아져 그간의 손실을 보상한다.
- 럭셔리 비지니스는 1) 손익분기점이 높다. 2) 현금이 많지 않아도 운영 가능하다.
1) 손익분기점 ; 작은 브랜드라도 세력있고 고급스럽게 보여야 한다. = 세계 곳곳에 존재해야, 각 매장의 고정비가 많이 들며, 럭셔리의 특성상 최고의 품질을 지향해야 하며, 제품이외에 디자인과 품질이 우수한 포장재, 보증서, 서비스가 완벽해한다(이분야에서 가장 위험한 것이 비용절감이다. 그것은 곧바로 제품을 둘러싼 환경과 개인 구매를 위축시킬 수 있기 때문이다.)
또한, 브랜드의 입지를 위해 수익으로 연결되지 않는 비용을 지출한다. 값비싼 패션쇼=대중의 눈에 띄기 위해 감행한다. / 플래그십 매장 - 값비싼 투자 = 손익분기점이 높아지는 이유
2) 모든 투자는 브랜드의 성공과 함께 상쇄된다. 비용은 매장을 유지하는 고정비용, 전세계에서 팔리지 않은 반품들, 각 시즌에 다양하게 개발한 제품생산비용이 큰 부분을 차지한다. 그러나 이 사업은 '모든 것을 얻거나, 모든 것을 잃는'상황으로 귀결될 수 있다.
- 럭셔리 제품은 새로운 제품을 개발하는 기간이 길며, 출시 초개 막대한 광고, 프로모션 비용을 쓴다.
이익을 내기까지 3~4년을 기다려야 한다.
- 럭셔리 브랜드는 변화를 모색하기 힘들다. 남성의 아이덴티디의 브랜드는 여성용 제품출시에 실패했
다. 소비자의 인식을 바꾸기란 매우 힘들다. 따라서 새로운 변화를 주어 성공하기까지 오랫동안 어려
움을 헤져나가야 하며, 이를 위해 가족회사의 형태로 운영된다.

*럭셔리 제품의 성공비결 46

럭셔리 제품 마케팅의 파라독스
; 높은 가격, 높은 비용, 장인정신, 유통의 제한, 소극적 프로모션 활동, 복잡하지 않는 광고 카피
(베르나르 뒤브와, '마케팅의 예술', 비야주 몽디알, p292)
→ 전통적 마케팅 방법과는 정반대로 해야 성공할 수 있다. 희귀성과 창조성에 기반

>강력한 이름의 필요성 47 /
. 럭셔리 브랜드 = 사람이름에서 시작, 남다른 품질외에 가족이름은 전통의 계승과 시작단계에서는 소수의 친구들만을 위한 제품을 만든다는 느낌을 준다.
. 브랜드 확장과 정통성 > 창업주 이름의 브랜드는 그의 전문기술 영역에 국한되는 단점이 있다. 그래서 브랜드 확장에는 어려움이 따른다. 제품확장시 고려사항 ; 절대로 쉬울 거라는 생각은 말것, 우선 투자와 노력을 기울일 것, 부차적인 사업으로 작게 시작하지 말 것, 소비자들이 즉각적인 반응을 보일 것이라고 생각하지 말고 시간을 줄 것, 일관성과 스타일을 최우선으로 강조할 것, 왜 이 새로운 제품 라인이 당신의 브랜드에 적합한지 설득력 있는 이유를 찾을 것

> 알아볼 수 있는 제품 만들기 50 /
럭셔리 브랜드를 살 때 사람들은 완벽한 서비스와 최상 품질의 제품인지를 확인하고, 마치 너무나 독특한 오브제로 자신만을 위해 수공되었거나 조심스럽게 준비된 것 같은 느낌을 받아야 한다. 또한 높은 미학적 가치를 지녀야 한다. 특정 제품군 중 하나이어야 하고, 그것을 명확히 알아볼 수 있어야 한다. 각 브래느는 자체의 미학적 코드를 갖고 있으며 각기 다른 모든 제품에 걸쳐 그 일관서을 강력하게 지키려고 한다.
디자인의 중요성 ; 최우선한다. = 각 브랜드의 제품들은 상호 조화되어야 한다. 동일성
존재의 이유 ; 각 오브제는 브랜드에 기여해야 하며 존재의 이유가 있어야 한다. 아르마니가 안경테를 시작할 때 그저 아르마니 레이블을 단 표준적인 안경이어서는 안 된다. 뭔가 특별하고 다른 것이 있어야 한다. 새로운 브랜드의 윤리나 미학적 이슈와 조화를 이루는 무언가를 찾아내야 한다.
장인정신이 있어야 한다. 오감에 느껴질 수 있도록 세부감각까지 만족시킬 세심한 배려와 브랜드의 윤리적 미학적 가치를 갖추어야 한다.

> 제품은 반드시 사회적이고 문화적 환경의 일부분이어야 한다 54
윤리와 미학의 추구는 예술, 또는 현재의 문화적 트렌드에 적용하는 것. 럭셔리는 새로운 형태와 색상, 새로운 느낌과 소비양식을 추구하므로 다른 산업보다 훨씬 더 문화적 단면의 일부분이다. 즉 특별한 미학적 분위기를 찾고 그들의 표적 소비자들과 손잡고 특별한 예술을 지향한다. 이것은 럭셔리 제품이 제공해야 하는 문화 반영기능이기도 하다.
럭셔리 제품 소비자들은 그들이 속한 사회와 시대의 테두리 안에 머물면서 사회적 트렌드의 선봉에 서길 바란다. (사회적 테두리를 벗어나길 원하는 것은 아니다)
럭셔리 비지니스는 불확실한 문화적 트렌드, 처한 상황에 의해 강력한 영향을 받는다. 트렌드의 변화에 맞추어 가는 것은 실패할 수도 있다. 따라서 트렌드가 다시 돌아오기를 기다려야 할 수도 있다.

*주요 럭셔리 기업들 57

ㅇㅇ

럭셔리 시장의 크기는? 53 / 3대 럭셔리 기업 61 /

단일 브랜드 회사가 살아남을 수 있는가? 67

02 주요 럭셔리 산업부문
의류 70
패션 비즈니스의 특성과 운영 방법 73 / 주요 경영 이슈 80 / 가장 흔한 조직 구조 84
향수와 화장품 사업 86
향수와 화장품 시장 86 / 주요 기업들 91 / 주요 경영 이슈 98 / 조직 구조 102
주류 103
주류 시장 103 / 주요 기업들 107 / 주요 경영 이슈 113 / 조직 구조 116
시계와 보석 117
시장 분석 117 / 주요 기업들 123 / 주요 경영 이슈 129 / 조직 구조 131
결론 132

03 럭셔리 브랜드의 힘
브랜드 가치 136
인터브랜드의 방법 136 / 전체 브랜드 세계에서의 럭셔리 브랜드 138 / 최고 100대 브랜드 중 럭셔리 브랜드 139 /
브랜드의 특성 144
계약으로의 브랜드 144 / 브랜드와 시간 148 / 브랜드와 사회 151
브랜드와 표식 154
브랜드명 154 / 로고 156 / 인식할 수 있는 다른 표식들 165 /
법적 문제와 브랜드 방어 167
브랜드 보호 167 / 위조방지 활동 172

04 제품의 라이프 사이클
브랜드 강점의 측정 183
브랜드의 탄생 184
브랜드의 성장 187
브랜드의 성숙 201
쇠퇴, 재출시와 브랜드의 소멸 203
글로벌 vs. 로컬 브랜드 209

05 럭셔리 고객
럭셔리 고객들은 누구인가? 216
부자, 아주 부자, 아니면 일반인? 216 / 소풍 나온 사람들 219
새로운 소비자 222
새로운 고객의 기대치 222 / 새로운 고객 행동양식 223
세계적으로 고객들은 유사한가? 225
나라마다 다른 소비패턴 226 / 국적에 따른 차이 230 / RISC 연구 236

06 브랜드 아이덴티티
아직도 낯선 개념 249
브랜드 아이덴티티 분석을 위한 도구들 255
아이덴티티 프리즘 259 / 브랜드 윤리와 미학 263 / 기타 분석 모델 288
기호학자에서 관리자로 291
브랜드 아이덴티티와 소비자 아이덴티티 294 /
단일 아이덴티티와 다양한 인지 295 / 진보의 필요성 298 /
아이덴티티 개념의 한계 : 전략적, 운영적 함축성 301
운영적 함축성의 의미 301 / 회사 전략에 있어서의 브랜드 아이덴티티 위치 303 /
아이덴티티 개념의 한계 305 / 회사의 책임감 308

07 창의성 관리
창의적 활동의 속성 313
창의적인 부서의 조직 319
가죽 제품 브랜드의 디자인 조직 사례 319 / 매스 마켓 vs. 럭셔리 브랜드 323
제품관리 328
컬렉션 플랜 328 / 컬렉션 일정표 333
브랜드 미학 337
브랜드 미학의 타당성 337 / 브랜드 미학의 개념으로 더 잘 다뤄지는 사안들 337 /
브랜드 미학 관리의 가능한 도구들 341 / 브랜드 미학에 대한 결론 341
브랜드와 예술 343
브랜드에서 예술로 344 / 예술에서 브랜드로 349

08 커뮤니케이션
4P의 쇠퇴 356
커뮤니케이션 체인 358 / 브랜드 표현체계 360 / 커뮤니케이션 프로그램 362
광고 368
미디어 370 / 광고 절차 371 / 광고 대행사 373
홍보, 행사, 웹사이트와 프로모션 375
프로모션 379
제품의 위치 381
제품의 유형적 속성 381
기업행위 385
통제되지 않은 행동 385 / 통제된 결정 386
실제 소비자들 388
휼륭한 커뮤니케이션이란 무엇인가? 391

09 국제 유통망
여러 가지 ‘유통 시스템’ 395
파리나 밀라노로부터 독점적인 판매 395 / 자회사 397 / 현지 유통업자 399 /
조인트벤처 시스템 400
가격구조 402
광고예산과 광고정책 407
면세 운영이라는 특수한 경우 410
면세 시스템 411 / 주요 면세 운영자들 415 / 협상 417
평행시장 : 원인과 결과 419
평행시장의 존재 이유 420 / 평생시장용 제품을 어떻게 구하는가? 423 /
어떻게 평행시장과 싸울 것인가? 425

10 리테일링
배경분석 430
매장의 위치와 장소 선택 430 / 매장 내 행동 432 / 리테일링 지표 434 / 슈퍼마켓의 경험을 토대로 한 내부 디스플레이 436
럭셔리 분야의 리테일링 439
매장 위치와 임대 시스템 439 / 매장 위치 439 / 여러 종류의 임대 시스템과 그 비용 442 / 예산, 계획과 통제 446 / 매장 정보 시스템 450 / 직원배치, 교육과 평가 451 / 리테일 소비자 반응 관리 454
커뮤니케이션 도구로서의 매장 455
역사적인 프로젝트들 459 / 매장 커뮤니케이션의 힘 462 / 매장 직원의 커뮤니케이션 464 / 내부와 외부의 디스플레이 465 / 온라인 판매 466
리테일 vs. 도매 모델 467
소위 “이상적인” 모델 468 / “이상적인” 모델의 예외 469 /
소매와 도매의 관리 471

11 물류와 라이센싱
물류 472
제품의 이동 474 / 아웃소싱 477 / 직접 생산하지 않는 결정 481 / 중국산 482
라이센싱 482
라이센싱 과정 485 / 라이센싱 활동의 여러 단계 491

12 브랜드 감사
커뮤니케이션 체인 499
브랜드 아이덴티티 502 / 아이덴티티 표현체계 503 / 일관성과 일치성의 전환 509 / 아이덴티티 인지 510 / 효과성 전환 511 / 구매 행동 511 / 타당성 전환 512
브랜드 감사 방법론 511
일관성과 일치성의 검증 521 / 감사의 한계 526
성공적인 브랜드 관리 530
제품 533 / 아이덴티티 535 / 조직과 업무처리 과정 537 / 혁신, 세심함, 시장에 대한 반응 540 / 간단한 요약 다이어그램 541

역자후기 한국의 럭셔리 브랜드를 꿈꾸며 542

(추천사중)
럭셔리 브랜드는 선별적이고도 독점적인 것으로 고객에게 부가적인 창의성과 감성적인 가치를 선사하는 브랜드이다 <미셀 슈발리에>

럭셔리제품은 1) 수준 높은 미적 콘텐츠를 갖춰야 하고, 2) 장인정신의 결과물이어야 하며, 3) 세계적이어야 한다. (크리스토퍼 우드, 추천자)

이미지와 해석 L`image et son interpretation (2002)

2009-09-03T13:26:49+09:00

책소개

표지글

작가소개

저자 | 마르틴 졸리
미셜 드 몽테뉴 - 보르도 3대학 교수이다. 그녀는 특히 프랑스와 여타 다른 나라들에서 이미지와 오디오비주얼에 대한 수많은 연수교육을 실시하는 데 참여했다. 저서로는 나탕 출판사에서 기획한 ‘128’ 총서 시리즈로 「이미지 분석 서설」과 ‘나탕 시네마’총서 시리즈로 「이미지와 기호(이선형 옮김, 동문선, 2004)」가 있다. [리브로 제공]

역자후기

마르틴 졸리, 김웅권, 동문선, 2009

<이미지와 해석> : 이미지의 작동과 그 메커니즘

[출처] 마르틴 졸리의 <이미지와 해석> : 이미지 해석의 메커니즘|작성자 예파헌

호라티우스 형제의 맹세

2009-08-03T23:11:57+09:00

David, Jacques-Louis
The Oath of the Horatii
1784
Oil on canvas
130 x 167 1/4 in. (330 x 425 cm)
Musee du Louvre, Paris

2009 아시아프_아시아 대학생 청년작가 미술축제

2009-08-03T20:54:01+09:00

아시아의 현대미술을 이끌어갈 차세대 유망주들을 발굴하는 '2009 아시아프'(ASYAAF·아시아 대학생-청년작가 미술축제)가 내일(29일) 개막합니다. 첫날 일반 관람은 오후 1시부터입니다.

조선일보사와 문화체육관광부가 공동으로 마련하는 이 전시회는 한국·중국·일본·대만·인도네시아·인도·싱가포르 등 7개국의 유망주 777명의 작품 2500여점을 전시하고 판매하는 국내 최대 규모의 미술축제입니다. 서울 경복궁 옆 옛 기무사 건물에서 열리는 전시회에 미술계는 물론 미술을 사랑하는 분들의 많은 관심을 바랍니다.

▲기간: 2009년 7월 29일~8월 23일(1부 7월 29일~8월 9일, 2부 8월 12~23일)

▲관람시간: 오전 10시~오후 7시(입장은 오후 6시까지)

▲장소: 서울 종로구 삼청동길 옛 기무사 건물(경복궁 옆)

▲관람료: 어른 4000원, 초·중·고교생 3000원, 유치원생 2000원

▲문의: (02)724-5337~9

협찬: 하나금융그룹, LG, SK energy

"그림사러 새벽에 왔다"
미술계 "수준 높아져" 관람하기도 훨씬 편해

24일간 올여름을 뜨겁게 달굴 '2009 아시아프(ASYAAF·아시아 대학생-청년작가 미술축제)'가 드디어 시작됐다. 29일 서울 경복궁 옆 옛 기무사 건물에서 문을 연 '2009 아시아프'는 개막 첫날부터 관람객 2830여명이 몰리면서 작년에 이어 변함없는 관심과 인기를 모았다.

◆일반 관람객 "손꼽아 기다렸다"

' 아시아프' 전시장은 유모차를 끌고 온 젊은 부부, 엄마와 함께 온 어린이들, 팔짱을 끼고 그림을 감상하는 연인들로 종일 북적거렸다. 전시장에 들어선 사람들은 메모지와 볼펜을 들고 다니며 작가 이름과 제목을 적거나 마음에 드는 작품을 디카에 담았다. 머리가 희끗한 한 할아버지는 "거실에 걸어둘 그림 한 점을 사고 싶은데, 딱 한 점만 고르기가 쉽지 않다"며 계단을 계속 오르내리기도 했다.

작년에 이어 다시 '아시아프' 전시장을 찾은 관람객도 많았다. 이미향(44·경기도 분당)씨는 "작년에는 사흘째 되는 날 왔더니 맘에 드는 그림이 이미 다 팔렸더라"며 "올해는 아시아프에서 꼭 그림을 사려고 벼르다가 개막하자마자 왔다"고 밝혔다. 15만원짜리 소품(小品) 회화 한 점을 구입한 노영아(42·대구 상인동)씨는 "작년에 사고 싶은 그림을 놓친 게 아쉬워 새벽부터 서울로 올라왔다"며 "첫눈에 '이거다!' 싶은 작품을 골랐는데 집 현관에 걸겠다"고 했다. 두 딸과 함께 온 주부 박진아(37·서울 가락동)씨는 "아이들에게 그림을 보는 눈을 키워주려고 데려왔다"며 "아이들 방에 걸 그림 한 점을 사려고 찾는 중"이라고 말했다. 홍콩에서 온 줄리 램(32)씨는 "한국 친구가 아시아프에 작품을 출품해서 함께 왔다"며 "홍콩에는 이렇게 대학생과 젊은 작가들의 작품만 보여주는 축제는 없다"며 부러움을 나타냈다.

▲ 개막 테이프 커팅 29일 오전 ‘2009 아시아프’ 개막식이 열린 서울 경복궁 옆 옛 기무사 건물에서 참석자들이 개막 테이프를 자르고 있다. 왼쪽부터 김종학 아시아프 총감독, 권오용 SK그룹 부사장, 정두언 한나라당 의원, 박래경 한국큐레이터협회 회장, 정상국 LG 부사장, 이성규 하나금융지주 부사장, 배순훈 국립현대미술관장, 고흥길 국회 문방위원장, 김문순 조선일보 발행인, 신재민 문화체육관광부 차관, 류희영 서울시립미술관장, 최경한 화백, 오원배 대학미술협의회 회장, 서성록 한국미술평론가협회 회장, 황달성 한국판화사진진흥협회 회장, 조윤선 한나라당 대변인./채승우 기자 rainman@chosun.com

◆미술계 "예술성 높아졌다"

작가와 평론가, 화상(畵商), 큐레이터 등 미술계 인사 300여명도 첫날 전시장을 찾아 작품을 꼼꼼히 살펴보았다. 특히 원로 화가 윤명로·김봉태씨와 중견 작가 한만영·석철주·정현·박상희·문봉선·노정란씨 등이 첫날 전시장을 찾아 후배 작가들에 대한 깊은 관심을 보여줬다. 서울대 미대 학장을 지낸 윤명로씨는 "젊은 작가들의 작품을 통해 수혈(輸血)을 받고 싶어 왔다"며 "1960년대 초 조선일보가 주최한 '현대작가 초대전'에 참여해 동료들과 함께 파격적이고 실험적인 작품으로 기성화단에 충격을 줬던 기억이 난다"고 밝혔다. 한국화가 문봉선씨는 "전국 미술대학에서 그림 잘 그리는 학생들은 대부분 다 나온 것 같다"며 "작품 수준이 작년보다 훨씬 높아졌다"고 했다. 조각가 정현씨는 "작년에 열린 첫번째 '아시아프' 이후 학생들이 올해 전시를 위해 미리부터 노력한 흔적이 역력하다"고 했다.

◆기성 미술계와의 연결 통로 역할

'2009 아시아프'는 젊은 작가와 기성 미술계의 연결통로 역할도 할 것으로 기대된다. 갤러리현대 박명자 대표는 "화랑 입장에서는 유망한 젊은 작가들을 한꺼번에 만나볼 수 있으니 더없이 좋은 기회"라며 "전시장을 둘러보면서 벌써 몇몇 작가를 눈여겨봐 두었다"고 했다. 황달성 한국판화사진진흥협회 회장(금산갤러리 대표)도 "출품작의 예술성도 깊어지고 관람 동선(動線)도 편해졌다"며 "참가작가 중 20명 정도를 8월 중 서울 하얏트호텔에서 여는 '호텔 아트페어'에 초청하고 싶다"고 말했다.

Ivan Khrutsky (1810-1885)

2009-07-31T23:37:50+09:00

Ivan Khrutsky (1810-1885)

Flowers and Fruits. 1854

Oil on canvas,

26" x 20" (66,5 x 50,8 cm)

The State Russian Museum

함경아

2009-07-31T16:10:11+09:00

이러한 근성은 함경아의 초기작 《체이싱 옐로우(Chasing Yellow)》에서부터 제대로 드러났다. 아시아 지역을 여행하며 노란색을 입은 사람을 보면 따라다니면서 인터뷰하고 기록한 다큐멘터리 작업이다. 이 비디오 작업에 등장하는 인물 중 특히 노란 승려복을 입은 스님의 강렬한 눈빛이 인상적이다. “보세요. 이렇게 생겼는데 안 따라 갈 수가 없잖아요. 이 분은 싱가폴에서 만난 분인데 그때 당시 여든 다섯 살이었어요. 물어봤더니 5살 때부터 하루도 빠짐없이 노란 옷을 입었대요.” 대개의 여행을 다녀온 사람들이 이야기보따리를 풀어 놓는 것처럼 작가가 들려주는 에피소드는 끝이 없었다. 집안 곳곳(심지어 화장실까지)을 조화와 조악한 장식품으로 가득 채워 놓고 혼자서 사는 노란 티셔츠의 남자, 베트남의 비행기 안에서 만난 중국계 캐나다 사람인 노란 점퍼의 남자, 가업을 이어 배우를 하는 노란 가부키 의상의 남자…. 그렇게 16명이 넘는 사람들을 만났고, 과연 세상에는 정말 가지각색의 사람이 저마다의 역사를 만들며 살아가고 있었고, 각각의 삶 자체가 ‘아트’였다.

단지 노란색 옷을 입었다는 단순한 모티프를 좇는 이 예측불가능한 작업에서 너무나 행운이게도 ‘드라마틱한 만남’이 기다리고 있었다. 낯선 곳에서 카메라를 들고 모르는 사람들과 관계를 맺는다는 것이 쉽지만은 않을 것이다. “서울에서는 노란 교복을 입은 초등학생을 따라 스쿨버스까지 타고 집까지 쫓아갔어요. 그러니 그 엄마가 얼마나 황당했겠어요. 이 정신 나간 여자가 노란색 옷 입었다고 애를 따라서 집 안까지 들어왔으니.” 심지어 모든 여정을 마치고 공항에 가는 길에 또 다시 노란색 옷을 보고 발걸음을 돌려 그 사람을 다시 쫓아가기도 했다고. 지성이면 감천이라고 했던가. ‘드라마틱한 만남’은 우연인 듯하지만 결국 작가의 부단한 노력 끝에 가능했던 것이다. 이 작품은 마우리치오 카텔란, 가브리엘 오로츠코, 올라퍼 엘리아슨, 피에르 위그, 피필로티 리스트, 리르크리트 티라바니자, 앙리 살라, 프란시스 알리스 등 현대미술에서 내로라하는 작가들과 어깨를 나란히 하고 2001년 첫 회로 열린 요코하마트리엔날레에 소개됐다. 그 이후에도 티라나비엔날레 등에서 선보였지만, 아쉽게도 아직까지 국내에서는 보여줄 기회가 없었다고 한다.

이 렇게 몇 년간 노란색을 쫓아다녔던 작가는 다시 노란 바나나를 추적하기에 이르게 된다. 2006광주비엔날레에 출품했던 《허니 바나나》는 바나나의 생산 및 유통 과정을 쫓아 제주도는 물론 필리핀과 동유럽 등지를 돌며 만든 작업이다. 어느 날 불현듯 작가는 엉뚱한 질문이 생겼다. “제가 어렸을 때만 하더라도 어마어마하게 비싸서 특별한 날에만 먹을 수 있던 바나나가 지금은 어째서 그렇게 저렴할 수 있을까, 너무 궁금하지 않아요?” 바나나의 가격이 떨어진 이유를 찾기 위해서는 무엇부터 시작해야 할까? 참으로 막막하다. “서울에서 김서방 찾는 격으로 언제 어디서든 ‘바나나’라는 단어만 보이면 일단 추적하기 시작했지요.”

작가는 《유기농 바나나 비닐하우스 재배에 관한 비밀 프로젝트》의 현장을 갔다. 또한 필리핀 한 섬의 차로 달려가도 끝없이 펼쳐진 바나나농장과 수확 현장도 찾아갔다. 상황은 예상보다 심각했다. 바나나는 ‘농약 덩어리’와 다름없었고, 그래서 그 지역의 땅 전체가 죽어가고 있었다. 민감한 사안인 만큼 촬영 및 인터뷰가 쉽지 않았고, 아무리 예술 작업이라고 해도 보안상의 이유로 여러 이해집단으로부터 협박을 받기도 했을 정도다.

그럼에도 불구하고 작가는 NGO의 멤버에게 도움을 받거나 현지인들에게 조르기도 하면서 작업을 꿋꿋하게 진행해 나갔다. 그깟 바나나가 뭐라고. 알고 보니 작가에게는 20살 즈음 겪은 작은 일화가 있었다. “우리 가족이 제주도에 사시는 아버지 친구 분 댁에 놀러 간 적이 있었어요. 바나나 비닐하우스를 운영하시는 분이었는데, 바나나가 워낙 고급 과일이었으니까 떵떵거리며 잘 사셨죠. 근데 저희가 갔을 때는 썩어가는 바나나 더미 가운데 망연자실한 채로 주저앉아 계신 거예요. 아마도 그때가 필리핀에서 다량으로 저가에 바나나가 수입되는 계약이 성사된 직후였나 봐요. 얼마나 낙담했던 상태였는지 그 아저씨는 친구 가족이 온 것은 안중에도 없을 정도였죠.” 작가는 자신의 의지나 노력과 상관없이 한 사람의 삶이 천국에서 지옥으로 떨어질 수 있다는 것에 충격을 받았었다고 한다. 신자유주의나 FTA 협정 등 국제무역환경의 변화는 한 개인의 생사를 좌우하기도 한다. 즉 작가에게 있어 바나나는 그냥 바나나가 아닌 거대 자본의 힘에 냉소를 보내는 매개체인 것이다.

그 러나 함경아는 사회운동가처럼 지극히 시사적이거나 정치적인 담론을 따라 작업을 하는 여타의 작가들과는 확실히 다른 지점이 있다. 바나나 작업의 시작이 아버지 친구의 일화에서 발동된 것처럼 먼저 개인적인 이야기에서 출발하고 있다는 점에 주목해야 한다. 대안공간루프 디렉터 서진석은 이러한 함경아식의 접근법을 두고 다음과 같이 설명한다. “함경아는 자신의 주관적 기억들과 일상들을 연결시키며 자신 안에 생성된 혹은 반영된 사회를 지극히 독창적인 감성으로 나타낸다. 사회 권력에 대한 직접적인 대응보다는 그 안에서 살아가며 사회와 자신 간의 얽혀 있는 실타래들을 풀어가고, 자신의 사적인 영역과 사회 권력의 영역이 관계를 맺는 체계 속에 담긴 논리적인 공식을 발견하는 데 있다.”

함경아가 늘 진지하고 무거운 작업을 하는 것만도 아니다. 작품을 보면 유머러스하고 재치 있는 부분도 많다. 《Police/POL is》에 서 작가는 도쿄 시부야 광장의 경찰소 앞에서 경찰복을 입고는 1m 간격으로 실제 경찰과 나란히 선 채로 경찰관 같지 않은 경찰관을 흉내 낸 퍼포먼스를 했는데, 이 작업은 있으나마나 한 공권력에 의문을 제기하면서도 웃음의 포인트를 놓치지 않고 있다. 또한 한국의 부천아인스월드, 한국제주스몰월드, 중국의 베이징월드파크와 신천윈도우오브더월드, 일본의 토부월드스퀘어처럼 ‘월드’라는 테마로 조성된 공원을 여행하는 관광객들의 모습을 보여주는 《트래블 앤 저니》 역시 마찬가지다. 현실과 비현실이 섞여 있는 장소에서 관광객 특유의 정형적인 포즈로 사진을 찍어대는 코믹한 모습을 통해 관객은 충분히 작가의 감성에 동화될 수 있다.

한 편 전직 대통령의 자택 화장실 공사를 하면서 쏟아져 나온 폐자재들을 모아 만들어 화제가 됐던 《오데사의 계단》에서는 웃지 못할 에피소드가 있었다. 이 작품이 전시될 당시 한 일간지 기자가 찾아와서는 전직 대통령의 추문이 드러날 만한 증거가 없는지 마치 사건장소를 수색하듯이 작품의 구석구석을 살폈다는 것이다. 그러나 그 기자는 골프공이나 영어교재, 기껏해야 ‘각하’의 전화번호가 적힌 비서관의 수첩 말고는 별다른 것을 찾을 수 없었다. 작가 박찬경의 말을 빌자면 함경아는 “진실에 대한 사건기자의 조급성에 대해, 이면이 없는 생활인의 감각으로 응답”한 것이다. 여기에 작가는 ‘올라가거나, 내려가는’ 계단 구조를 통해 권력의 아이러니를 표현했고, 맞은 편 벽에는 총알을 쏴서 응축적인 메시지를 새겼다.

2008 년 작가는 쌈지스페이스에서 10년 만에 개인전을 열었다. ‘Such Game'이라는 제목으로 열린 이 전시에서 작가 특유의 냉소와 유머와 다양한 매체의 활용으로 작가의 역량을 여과 없이 발산했다. 전시는 크게 자수 프로젝트, 백자 프로젝트와 석유 찌꺼기로 만든 《페르시안 카페트》 등의 설치 작업으로 구성됐다. 재료에 의한 제한을 전혀 받지 않고, 작가의 메시지를 가장 효과적으로 전달할만한 방식이 자유롭게 구사되어 있었다.

작 가가 직접 만들어야 한다는 구닥다리 미술 개념으로부터 탈피한 것은 이미 오래 전 일이다. 특히 자수 프로젝트는 저 멀리 북녘의 수공예 노동자들의 손을 빌렸다. 작가는 인터넷을 통해 전쟁과 테러에 관련된 기사와 이미지를 수집한 다음, 북한 출입이 가능한 제3자를 통해 중국을 지나 북한으로 자수 도안을 전달했다. 북한 수공예 노동자들에 의해서 솜씨 좋게 수놓아진 그림이 전시장에 걸렸다. “전시장에 진열된 것만 작품이 아니에요. 북한 사람이 자수를 놓기 위해서는 인터넷에 떠도는 외부의 그림과 텍스트를 어쩔 수 없이 읽고 보게 되는 행위, 그것이 바로 '삐라’와 비슷한 기능이 아니었을까요? 제한적이지만 공간적 거리와 이데올로기적 장벽을 뛰어 넘는 소통의 시도 자체와 그것을 둘러싼 전 과정 모두가 작품이라고 생각합니다.” 요즘 함경아는 올 가을에 아트선재센터에서 대규모로 열릴 개인전을 준비하는 데 여념이 없다. 지금도 작가는 무언가를 열심히 쫓고 있거나, 혹은 하지 말라는 무언가를 몰래 진행하고 있을지도 모른다.

지역문화재단 설립 현황과 흐름

2009-07-31T15:57:36+09:00

지원 기관 확대 따른 역할 정립 필요

[특집] 지역 문화재단 설립 현황과 흐름 ⑤ 좌담

정리 _ 김소연 편집장

각 지역에 문화재단이 설립되면서 문화예술 정책 단위가 확대되고 있다. 지원사업 집행이건 시설운영이건 문화재단은 직접적인 정책 생산 기관이라기보다는 집행 기관의 위상에 가깝다. 그러나 한편 사업 집행의 과정에서, 예술현장과 제도정책이 만나는 가장 첨예한 접점에 서 문제의식이 깊어지고 있기도 하다.

물론 현재 정책의 구조는 한국문화위원회원회-광역-기초로 위계적인 양상을 보이지만 문화재단의 역할이 확대되고 문제의식이 깊어지면서 이러한 위계적 체계도 변화가 올 것 같다. 지금도 각 기관들의 역할 분담에 대한 논의에서 서로 다른 관점과 역할론이 등장하고 있다. 이러한 현실이 정책에 대한 문화재단의 역동적 역할로 이어질 수 있을지 자못 궁금하다.

특집 지역문화재단의 현황과 흐름 다섯 번째 순서에서는 각 지역 문화재단과 위원회가 한 테이블에서 변화하는 문화예술 정책 제도의 지형을 살펴보았다.

	일시	2009년 7월 15일
	참석자	송시경(한국문화위원회원회 지역협력부장) 김해보(서울문화재단 예술지원팀장)
		박소윤(부산문화재단 문화사업팀장) 이태호(전주문화재단 정책연구실장)
		오세형(경기문화재단 문예지원팀, 본지 편집위원)
	진행	김소연 편집장

예산 규모 증가와 사업 내용 다양화

사회 오늘 좌담에는 광역 기초 문화재단에서 직접 사업을 집행하고 있는 분들이 참석하였다. 또 한국문화예술위원회(이하 위원회) 지역협력부장도 참석하였다. 아마도 정책, 제도를 실행하면서 최근의 변화를 좀 더 구체적으로 느끼고 있을 것이라 생각된다. 먼저 각 문화재단별로 사업규모와 내용을 살피는 것으로 이야기를 시작할까 한다.

김해보(이하 김) 서울문화재단은 2004년에 설립되었다. 올해 재단 총사업규모는 위탁사업 포함 437억이다. 자체사업 290억, 위탁사업 140억이다. 그중 예술지원사업은 총 187억(위탁사업 포함)으로 전체 사업예산의 42% 차지하고 있다. 지난해까지는 25~26% 수준이었다. 전체 문화재단 사업에서 예술지원사업 예산 점유율이 가파르게 높아졌다. 올해부터 지역협력형 사업이 위원회에서 이관되면서 예술지원 사업예산이 2008년 90억에서 2009년 180억으로 두 배 증가했다.

사업규모라면 원칙적으로는 재단 자체사업 예산을 말해야 하는데, 딱 떨어지게 정리하기가 어려운 점이 있다. 서울시 위탁사업이 재단 자체 예산사업과 명확하게 구분되지 않고 수행되기 때문에 실제 사업 규모를 가늠하려면 위탁예산까지 고려해야 한다.

오세형(이하 오) 경기문화재단은 1997년에 설립되었다. 지원사업 중심으로 운영되다 2008년부터 경기도미술관, 경기도 박물관, 백남준아트센터 등 총 5개 유관기관이 통합되었다. 2008년 200억 가량이던 예산규모가 2009년 약 830억으로 증액되었다. 미술관/박물관 운영비, 박물관 건립사업비 등으로 예산 규모가 크게 증가했다. 그 중 120억 정도가 문예진흥사업비로 운영 중인데 매년 비슷한 정도의 예산이다. 통합 이후의 가장 큰 변화는 사업대상을 보는 관점의 다양화이다. 기존에는 예술가, 예술단체가 주요 대상이었다면 이제는 문화예술시설의 전문화를 위한 정책과 사업이 늘어나게 됐다. 중심축의 이동과 다양화가 이루어지고 있다.

박소윤(이하 박) 부산문화재단은 올해 3월 창립식을 가졌다. 이제 막 시작되어서 같은 광역 문화재단이지만 서울이나 경기와 규모가 많이 다르다. 기본 재산 110억으로 시작해서 2018년까지 500억을 목표로 하고 있으며 2009년도 예산액은 시 출연 위탁금 및 중앙기금 등을 합해서 160억이고 이중 사업비는 40억 정도이다. 이 중 35억이 예술지원예산으로 쓰인다. 원년인 만큼 부산문화정체성 정립, 문화향수 기회 확대, 부산문화예술의 해외진출을 사업의 목표로 잡고 있다. 부산문화예술 전자 아카이브 구축, 부산문화비전 포럼 운영, 문화예술교육사업, 국제문화교류사업을 실시하고 있으며 이번에 한국문화위원회원회의 지원으로 부산문화예술지원센터 운영도 앞두고 있다.

이태호(이하 이) 전주문화재단은 2006년도에 설립됐다. 올해 사업비는 확정되지 않았는데, 시의회에 추경 예산안이 계류 중이다. 올해 사업예산은 15억 정도이다. 2006년 2월 8일, 전주문화재단이 처음 출발했을 당시 예산 규모가 10억 원 정도였는데, 3년이 지난 올해의 예산이 15억 정도라면 타 지역 문화재단의 사업예산 규모에 비해 상대적으로 매우 열악한 상황이다. 이중 문화예술단체나 문화예술인들에게 직․간접적으로 지원해주고 있는 예산의 규모는 2억 5천만 원 정도이다. 전체 사업예산에 비해 문화예술지원사업 예산 비율은 크게 증가한 편이 아니다. 하지만 지원방식은 바꾸었다. 2008년부터 직접지원보다는 간접지원 방식을 모색하고 있다. 예를 들면, 예술인들이 어려워하는 정산 부분을 재단 담당자들이 대행하는 것이다. 재단 직원들의 업무량이 상대적으로 많아졌지만 효과와 반응은 좋은 편이다.

사회 광역, 기초 안에서도 예산 편차가 크다. 이는 규모의 문제이기도 하겠지만 각 지역에서 문화재단에 대한 요구, 또 각 문화재단이 스스로 설정한 목표 등이 다르기 때문인 것 같다.

이 전주문화재단은 문화시설 관리라든지, 몇몇 연계사업을 제외하고는 시의 위탁사업을 거의 하고 있지 않다. 설립 초기부터 지켜온 원칙인데 재단의 독립성과 자율성을 지키기 위해서이다. 그러다보니 사업예산규모가 작다. 현재 전주문화재단의 가장 중요한 사업은 문화예술정책 개발사업과 국내외 교류사업, 그리고 다음이 각종 지원사업이다. 현장에서 요구하는 사업들이 많이 있지만 예산과 인력의 한계가 있기 때문에 필수사업들 중 우선사업과 상대적으로 예산비율이 높지 않은 아이디어 사업, 그리고 문화예술정책 사업에 더욱 집중할 수밖에 없었다.

사회 문화재단의 설립으로 정책, 제도 사업이 다양해지고 있다. 이러한 변화를 문화예술 분야 지원예산의 증가로 이어진다고 볼 수 있는가. 위원회에서 파악하고 있는 바는 어떤가.

송시경(이하 송) 현재 16개 광역 지자체의 지역문예진흥기금 조성은 2008년 말 현재 4,008억 3천 9백만 원이다. 시도별로는 서울이나 경기처럼 천억이 넘는 경우도 있고 500억부터 16억까지 규모는 다양하다. 위원회가 관리하고 있는 문예진흥기금은 2004년 말 5,272억 원이었으나 현재 3,825억 원으로 05년부터 매년 300억 원 정도를 덜어 쓰고 있는 실정이다.

‘문화예술분야 지원 예산’이라는 것이 어떠한 내용을 기준으로 삼느냐에 따라 규모가 달라진다. 여기서는 경향에 대한 이해를 돕기 위해 매칭사업들을 소개하겠다. 지역협력형 사업의 경우 총 문예진흥기금 187억에 시도 매칭 255억 2천 4백만 원이다. 시도 매칭의 사업별 액수를 보면 지역문예진흥기금 지원사업 120억 6천 6백만 원, 무대공연 작품제작 지원사업 54억 1천 8백만 원, 시도기획 지원사업 50억 원, 공연예술 전문단체 집중육성 지원사업30억 4천만 원이다.

이외에도 직접적으로 시도와 관련하여 배분하고 매칭으로 추진하는 사업에는 복권기금을 전입 받아 문예진흥기금으로 추진하는 사랑티켓(09년 기준 기금 20억 원, 지역 매칭 17억 8천만 원), 바우처(09년 기준 40억, 서울시 2억. 기실 동 사업은 공연단체가 매칭하는 구조가 그 근본이다), 지역 문예회관 특별 공연프로그램지원(09년 기준 40억, 지역 매칭 47억 7천만 원) 등이 있다. (08년도 지원한 작은도서관조성사업도 지역과 매칭한 사업이었다.)

위원회는 현재 시도와의 매칭을 통한 문화예술 부문의 예산 파이를 키우는 방향으로 지역협력형 형태의 이관을 추진하고 있다. 장래에는 위원회 차원 즉 전국적 사업으로 중앙단위에서 이끌어 가야 할 사업은 현행대로 유지하되 지역에서 해야 할 사업은 지역사업형 형태로 문예진흥기금 지원 없이 시도가 시도의 예산 혹은 시도의 기금으로 독자적 영역을 가지고 추진할 수 있도록 하는 방향으로 나아가고자 한다.

“지역 문화재단 사업구조 흔들” “지역과의 역할 분담 과정”

사회 매칭사업으로 예산규모가 확대되길 바란다고 했는데, 지역협력형 사업이 앞으로 지원정책, 지원제도의 구조에 어떠한 변화를 가져올지 관심이 크다. 지역협력형 사업으로 문화재단의 예술지원사업 비중이 급격히 증가하고 있다는 지적이 있었다. 특히 서울문화재단의 변화가 가장 급격한 것 같다.

김 지역협력형사업이 시작되면서 예술지원사업이 재단 사업의 45% 이상을 차지하게 되었다. 예산규모만이 아니라 이렇게 비중이 급격히 커진다는 것은 문화재단의 사업구조에서 볼 때 매우 큰 변화이다. 재단 사업을 크게 예술생산자 중심의 ‘예술지원사업’과 문화 향유자 중심의 ‘문화진흥사업’으로 나눌 수 있다. 위의 예산규모의 변화는 아주 간결하게 요약하면 그동안 한 건의 예술 콘텐츠를 발굴, 육성해서 세 건의 문화진흥사업으로 이를 시민들에게 보급함으로써 활용해왔다면, 이제는 거의 한 건의 예술콘텐츠를 육성해서 한 건의 문화진흥사업을 한다는 뜻이 된다. 이는 예술가 입장에서 보더라도 실컷 키워놓기만 하고 쓰일 곳은 만들어 주지 않는 기형적인 정책구조이다.

출범 초기부터 서울시의 지나친 문화사업 수행 요구가 예술지원 기관으로서의 재단의 정체성을 해친다는 논박이 있어 왔다. 그런데 최근 우리 재단은 시민문화향수 활동 진작을 중심으로 하는 신(新)조직 비전체계를 만들었다. 이제는 중앙 정부의 개입이 오히려 재단의 정체성에 혼란을 주는 상황이 된 것이다.

박 지역협력형 사업은 지원금만 내려오는 것이 아니라 ‘선택과 집중’ 같은 정책방향도 함께 내려온다. 그러한 정책방향을 맞추려고 노력하고 있지만, 지역의 실정은 수도권과는 달라 그 적용이 과연 지역 문화의 발전과도 궤를 같이 할 수 있는가 하는 의문이 있다. 상주단체, 레지던스 등 지역의 여건과 맞지 않는 사업들에 대한 고민도 있다.

오 아직까지는 순조롭지만, 문화재단에서 진행하는 사업규모가 커지면 각 기관의 역할이나 관점이 달라질 것이고 변화와 문제제기가 본격화 될 것이다. 지금의 협력사업은 유효한 모델인지, 과연 지금처럼 지역문화재단이 중앙에서 수립한 정책을 수행하는 역할에 머물 것인지, 중앙에서는 각 문화재단의 자율성을 보장하면서 정책을 어떻게 관철할 수 있을지 살펴야 한다. 중앙 주도 방식이 힘을 잃게 될 때 행정적 균열이 일어나지는 않을지 등에 대해 위원회 등 중앙 단위에서 그러한 변화를 어떻게 수렴할 것인지에 대한 고민을 같이 해야 하는 것은 아닌가 한다.

예를 들어 수도권에 지원이 집중된다고 하지만, 수도권 안에서도 서울과 경기, 인천 입장이 다 다르다. 집중육성사업비 15억이 서울에 배분된다면 인천, 경기에는 일률적으로 1억씩 배정된다. 역차별 문제가 발생한다.

김 지역협력형 사업은 예술 생산자 지원 위주라는 중앙 정부의 정책적 짐을 지역으로 던진 것이다. 그런데 현 시점에서 그것을 받을 수 있는 인프라가 지역에 갖추어져 있는가의 문제를 고민해봐야 한다. 무대공연 작품제작 지원사업 등 프로젝트 성격의 지원 프로그램 형태였을 때는 대충 묻혀있었는데, 상주단체 지원제도처럼 지역에 구체적인 공간을 두고 실행할 때는 현실과 행정의 괴리 문제가 심각하게 드러나기 시작한다. 행정에서 막연히 예술생태계 현장을 상정하고 만든 정책의 실질적인 문제점들이 드러나는 것이다.

서울이 중앙이라고는 하지만 자치구 단위로 내려가면 그 기반이 타 지역 수준으로 취약하기는 마찬가지다. 구 단위의 문예회관, 공공극장, 대학로 민간극장 등이 과연 이 제도가 염두에 둔 그런 이상적인 극장 여건을 갖추고 있는가 하는 현실적 문제에 봉착하였다. 그러다보니 빈약한 인프라와 예술생태계 현실에 비해 지원 과잉이라는 진단도 제기된다.

사회 창작자들은 지원금에 목말라 한다.

김 지원금 규모가 과잉이다, 결핍이다 이런 뜻이 아니라 제도 실행의 현실적 기반에 비해 정책의 과잉이라는 것이다. 중앙에서 예술가 지원 중심의 사업이 필요하다면, 지역으로 갈수록 향유자 지원 중심의 사업 필요하다. 예술가에게 행정구역의 경계가 유의미한가? 국가단위의 경계는 예술가 자신의 정체성에 크게 관여하지만 현재 우리나라 같은 상황에서 예술가의 창작활동은 거주지역의 경계를 넘나들고 있지 않은가? 반면 향유는 거주지의 제약을 받는다. 따라서 오히려 예술지원과 관련한 지역협력형 사업이라면 중앙의 지원사업으로 예술 생산자를 잘 육성하고 지역문화재단은 그 과정에서 생산된 우수 예술 콘텐츠를 지역단위의 시민들에게 잘 공급하는 역할을 맡는 방식으로 역할분담이 되는 것이 바람직하다. 중앙에서 과잉으로 주체할 수 없는 지원 정책을 지역으로 던지고 지역에서 똑같이 과잉된 생산지원 사업을 하라고 한다면 곤란하다

“예산 주고 알아서 하라는 자율성만으로는 부족”

송 예술가가 경계가 있겠냐는 이야기가 나왔는데 맞는 말이다. 하지만 지원행정에 있어 보이지 않는 칸막이가 현실적으로 존재하는 것도 인정해야 한다. 위원회의 역할은 지역이 칸막이를 행할 경우 중앙차원에서 한편으론 현실론으로 인정하고 다른 한편으론 해당 지역을 넘어 다른 지역으로 소통, 교류, 협력할 수 있도록 조장하고 지원하는 것이다. 중앙에서는 창작자 지원정책을 해야 한다고 하는데 중앙단위에서 전국적으로 다 할 수는 없다. 시도 단위에서도 적적할 공급이 필요하다면 실행해야 한다. 또 창작과 향유는 동전의 양면과 같고 창작을 기반으로 하지 않는 향유는 모래성과 같다. 정책에서 그것을 중앙과 지역으로 이분법적으로 접근하는 것은 적절하지 않다.

물론 자율성이 중요하고 그래서 어떤 부분은 각 시도 환경에 맞춰 가야 하지만 또 어떤 부분은 규격화해 가야 하는 부분도 있다. 자율성은 여건에 맞춰 가야 한다. 위원회의 역할은 전국 단위에 있어서 중요한 예술가(싹)를 중점적으로 키워내는 것이다. 국제교류, 장르별 특화 지원 사업, 새로운 예술경향의 도입 등은 위원회에서 해야 할 일이 아닌가 한다.

이 전주의 경우도 실제사업을 들여다보면 재단, 위원회가 겹치는 부분이 있다. 하지만 방향성은 다를 수 있다. 크게 보면 같지만, 세부를 들여다보면 다르다. 중앙에서 프로그램까지 다 만들어 보내기보다는 큰 방향성만 제시하고 프로그램은 지역에서 탄력적으로 할 수 있도록 해야 한다.

김 자율성의 문제가 아니다. 예산을 내려주는 만큼 자율성을 발휘하라고 하면 기존에 하던 사업과 중첩되는 부분을 어떻게 할 것인가 하는 문제가 발생한다. 지역협력 사업이 갑자기 이관되었던 작년 연말만 하더라도 매칭사업 때문에 자체사업이었던 ‘시민문화예술 지원사업’을 없앴다. 사업구조를 새로 짰어야 했다. 올해도 상주단체 지원사업 같은 경우 당초 취지대로 자치구 문예회관을 지원하려고 했을 때는 재단 자체 사업으로 시행해 오고 있는 ‘자치구 문예회관 지원사업’과 중첩이 생겼고, 집중육성 사업의 원래 목적을 살려 전문예술단체 지원사업으로 시행하려고 했더니 이미 위원회에서 폐기하려는 정책방향이어서 문제가 있었다. 반면 내년도에 위원회에서 시행하려는 사후지원사업은 우리 재단의 현 ‘공연예술창작활성화’(사후지원사업)와 기존의 전문예술단체 집중육성사업을 짜깁기해 놓은 면이 있다.

예산을 내려줄테니 알아서 하라는 자율성으로는 부족하다. 문화부, 위원회가 국가와 광역시도 차원에서 예술지원, 또는 문화진흥 정책의 명확한 그림을 가지고 역할을 분배하거나 아니면 ‘협력사업’이라는 말뜻 그대로 지역 문화재단과 협의구조를 갖고 처음부터 정책의 틀을 같이 짜야하는데, 지역협력 협의체의 실질적 가동이 안 되고 있다. 왜냐하면 정책의 모든 결정권이 협의체 운영주체인 위원회가 아니라 문화부에 있기 때문이다. 지역문화재단은 큰 그림이 없다보니 당장 내년 예산을 짤 수도 없는 상황이다. 지난 5년 동안 서울시 문화국과 우리 재단이 실랑이해왔던 ‘정책적 역할분담’이라는 결론 없고 밀리는 입씨름을 이제 중앙정부, 위원회와도 심각하게 시작해야 할 형편이다.

송 위원회의 지역협력형 사업은 2009년에야 지원사업 명칭을 띠고 나왔지만, 73년 당시 한국문화예술진흥원을 설립해 전 방위적으로 해온 위원회의 주요 사업이다. 90년까지 진행한 서울을 제외한 15개 시도의 지역문예진흥기금 시드머니 조성 지원, 99년 한국문화위원회원회(당시 한국문화예술진흥원)가 직접 추진하던 소규모 지역성 사업(문화예술 사회교육활동지원 등 9개 사업 539건)을 지역문예진흥 지원사업으로 시도로 이관하는 등의 사업이 있었다. 근래 광역 지자체 문화재단이 설립되고 2007년 전국지역문화지원협의회를 발족함으로써 본격화하는 양상으로 접어든 것으로 볼 수 있다. 광역 및 기초 문화재단 설립이 가속화 되고 있는 만큼 위원회 사업의 지역 이관은 향후에도 점증하는 방향으로 추진될 것이다. 지금 이러한 논의는 이러한 변화 과정의 하나로 본다.

기초, 독자적 정책 수립 어려움 있지만 정책 효과 직접 확인할 수 있는 장점

사회 지역협력형 사업으로 문화예술정책제도에서 중앙과 지역의 역할론에 대한 논의가 본격화 될 것 같다. 위원회와 광역 문화재단의 관계뿐만 아니라 광역과 기초 문화재단의 역할도 논의가 필요하지 않나.

이 전북 문화예술 활동에서 전주가 차지하고 있는 것은 비율이 70~80% 정도다. 전북문화재단이 생길 때 서로의 역할을 분명히 하지 않으면 또 다른 어려움이 생길 것 같다. 조사를 해 본 결과 경기문화재단의 경우 기초지자체의 문화예술 활동이 잘되고 있는 지원사업은 기초지자체로 이관한다고 한다. 그렇게 되는 것이 이상적이라 생각한다.

김 서울문화재단은 서울문예회관연합회(서문연)를 지원하고 있다. 서울의 기초문화재단이 공교롭게도 대부분 시설운영 사업을 하고 있고 서문연 회원이어서 현재는 ‘자치구 문화공간 활성화 지원사업’ 같은 공간 대상 지원사업이 이루어지고 있다. 향후 광역문화재단으로서 서울문화재단과 기초문화재단 간의 협력체계 구축이 서울시 문화정책 실행에 큰 숙제가 될 것으로 생각한다.

이 자치구는 시설운영 사업이 대부분인가?

김 처음 시설운영으로 시작했다가 문화사업으로 확장되는 경우가 있다. 또 반대로 소수는 축제 위탁운영과 같은 문화사업을 하다가 시설운영으로 넘어가는 경우도 있다. 최근 경향을 보면 기초와 광역이 반대로 간다. 기초는 공간운영에서 여타 지원 및 문화사업으로 확장되는 반면 광역은 여타 지원 및 문화사업에서 공간운영 부문으로 확대되는 상황이다. 특히 공유재산 위탁운영 사업이 넘어오면서 재단의 정체성을 심각하게 위협하는 상황이기도 하다. 이러한 상황을 슬기롭게 넘기기 위해 재단은 기존 공간사업과 차별화하는데 고심하고 있다. 창작자를 위한 베이스캠프이면서 창작자와 향유자를 분리하는 것이 아니라 양쪽이 만나는 공간으로 자리매김하려고 한다.

오 경기문화재단도 시설운영에서 정책적 역할이 생기고 있다. 경기도에서는 기초문화재단이 많이 생기면서 광역과 기초가 협조체제를 어떻게 만들어갈 것인가가 중요한 문제다. 도와 시군구에서 하는 사업들이 중복되는 경우가 있다. 이럴 경우 도에서 진행하던 사업을 시군구와 매칭 시켜 규모를 키워서 이관한다. 경기도는 여건이 되어 있다. 또 기초와의 관계에서 명분을 주도하면서 좋은 파트너십을 갖기도 한다. 광역문화재단의 지원이 기초문화재단의 사업을 정당화하는 역할을 하기도 한다. 경기도만을 놓고 보더라도, 31개 시군이 있는데, 규모가 작은 지역들은 예술단체 부족으로 다양한 지원사업이 의미가 없다. 그럴 경우는 아마추어 동호회 육성 등의 특성화 사업이 필요하다.

기초문화재단의 경우, 예외는 있지만, 별다른 지역정책이 없다. 앞으로 기초문화재단에 고유한 정책과 사업을 생산하는 기능이 생긴다면 재미있는 일이 많이 생길 것 같다.

사회 전주는 기초문화재단이지만 정책사업이 중심이라고 이야기했다.

이 시 공무원들이 모르는 영역을 재단에서 조사, 연구해서 사업을 제안하면 시에서 예산을 만들어 다시 재단 사업으로 이양하는 경우도 있었다. 이가 없으면 잇몸으로 움직이듯 예산 규모가 작으니까 아이디어를 내게 되더라. 성남의 문화통화가 많이 이야기되는데 전주에서는 아트뱅크 사업을 하고 있다. 예술가와 시민들에게 각각 자신들이 원하는 것과 할 수 있는 것을 묻고 연결시켜주는 일종의 매개사업이다. 재단에서 조사와 매칭을 진행하는데 일 년에 천만 원 정도 소요된다. 2007년 기획, 조사하고 2008년 실행했다. 반응이 좋다.

창작자건 향유자건 그냥 프로그램을 만들어 객체로서 던져주는 것이 아니라 그들을 주체가 될 수 있는, 직접 재단에 와서 참여하고 정책 입안하는 방식에 대해서도 고민하고 있다.

김 전주의 경우는 도시의 규모나 기초자치단체 간 경쟁에서 자유로울 수 있었던 점 등이 체계적으로 문화재단이 자리 잡을 수 있었던 여건이 된 것 같다. 서울만 하더라도 자치구 단위로 내려가면 중앙이면서 지역인 예술시장의 특성과 기초자치구들 간의 경쟁 또는 서비스 지역의 중첩 문제 때문에 대부분의 기초문화재단은 자기 색깔로 정책을 길게 가져가기가 어렵다.

박 전주라는 도시 규모에 맞게 시민이 직접 느낄 수 있는 아트뱅크 사업을 실시하고 있는 점이 인상적이다. 하지만 광역시만 되도 너무 규모가 커서 하나씩 맞춤식으로 접근하기는 어렵다. 현재 부산에 맞는 사업 개발에 고심하고 있다.

민과 관의 사이에서

사회 위원회, 광역, 기초의 역할에 대한 논의를 하다 보니 서로 문화예술정책을 바라보는 관점도 조금씩 다르고 또 역할에서도 서로 다른 이해가 있다. 사업을 수행하면서 느끼는 이러한 문제의식이 앞으로 문화정책 발전에 기여하지 않겠는가.

박 시와 문화재단의 관계는 시가 정책을 세우고 재단이 시행하는 관계로 시작되었다. 올해 신규 사업으로 실시하는 국제교류사업, DB구축, 포럼 외에는 모두 위탁 사업이다. 일부에서는 문화재단이 옥상옥이 될까 우려하기도 하지만 우리도 어떻게 우리만의 정체성을 가지고 계속 갈 것인가를 깊이 고민하고 있다. 그 방향은 당연히 지역문화발전이며 이는 생산자인 문화예술인에 대한 지원에 그치는 것이 아니라 향유자인 부산 시민의 문화 향유권 증진이어야만 한다고 생각한다.

김 대부분의 지역 문화재단은 지자체 정부의 필요와 지역 예술인의 필요가 만나면서 만들어진다. 그 과정에서 시민의 필요는 고려대상이 아닌 경우가 많다. 공공정책 집행기구로서 문화재단이 필요하겠다는 광범위한 시민 여론을 바탕으로 결정이 내려지고 거기에 맞는 역할, 기대, 운영방식이 정해지는 것이 아니다. 지자체 정부가 시설운영이 필요하다고 하면 시설운영형 문화재단을 세우고, 예술지원이 필요하다 하면 이를 주요 사업으로 한 문화재단이 생긴다. 공공정책의 최종 수요자인 시민보다는 각 지자체 정부의 행정 효율과 의지에 따라 문화정책이 정해지고 있다. 지방자치시대, 대의민주주의라고는 하지만 아직까지는 민주주의사회에서 진정 민(民)이 원하는 문화정책이라고 보기는 어렵다고 생각된다. 물론 문화정책이라는 것이 사회의 현재를 반영하기도 하지만 견인해야 하는 양면성을 가지기는 한다.

사회 물론 현재의 정책 구조에 한계가 있고 지자체의 위탁사업이 문화재단 사업에서 높은 비중을 차지한다고 해도 직접 사업을 수행하면서 현실을 맞닥뜨리다 보면 사업 방향에서 새로운 모색을 하게 되고 그것이 역으로 지자체의 문화정책에도 영향을 미치는 그런 과정이 생기지 않나.

오 변화가 있다. 기초에서 많이 변하는 것이 느껴진다. 지자체 재단의 주 업무가 공연장 운영인데 공연장 외부에서 사업을 수행하기도 한다. 심지어 문예회관에서 지역사회로 찾아가는 예술활동을 하기도 한다. 시민들도 그런 역할을 수행하기 원하고, 시에서도 원한다. 그러면서 역할이 확대되고, 변화된다.

예술 가치 발굴로 지원정책 효과 높여야

사회 지금까지 문화예술지원 정책과 제도에 대해 여러 이야기를 나눴다. 문화재단의 역할이 앞으로 지역 문화예술 환경과 더불어 우리 사회 문화예술정책에 적지 않은 영향을 미칠 것으로 보인다. 이제 마지막으로 이렇게 정책 제도의 구조가 변화하는 흐름에서 예술가들은 어떻게 공공영역과 결합해야 하는지에 대한 이야기로 오늘 좌담을 마무리할까 한다.

김 지역문화재단의 역할 중에 예술의 자율성을 최대한 보장하는 예술창작지원과 시민들에게 필요한 공공서비스로서 문화콘텐츠를 제공하는 공급자 역할이 엄연히 따로 존재한다는 점을 명확히 인식하고 재단의 역할을 설정해야 한다.

고래로 예술의 가장 큰 소비자는 왕조였고 이제는 공공재로서 문화예술서비스 시장에서는 국가 또는 지방정부가 그 역할을 맡는 것이 당연하다. 역할을 굳이 나눈다면 전자는 그 일부를 지역에 위탁할 수는 있지만 국가단위에서 해줘야하고, 지역 문화재단은 후자에 가까운 역할을 해야 한다. 그러려면 시민의 서비스 수요와 우수한 예술 콘텐츠를 연결시킬 수 있는 좋은 선구안과 프로젝트 기획 역량이 필요하다. 앞서 구분한 것처럼 문화재단의 사업영역 중 ‘문화진흥사업’이라는 이름으로 지금은 예술지원 영역밖에 있는 것처럼 인식되는 영역도 프로젝트를 통해 예술 콘텐츠가 활용되는 과정에서 예술가에게 지원이 되는 예술지원 영역으로 본다면 두 영역이 조화를 이룰 수 있다. 물론 여기서 자본 시장에서의 예술의 성공을 위한 지원은 별개 과제로 본다.

예 술의 가치는 분명히 존중되어야 하지만 그 가치가 시민들 속에서 소비되지 못한다면 굳이 공공지원의 대상이 되어야하는지 당위성을 찾기는 어려울 것이다. 당장 시장에서의 돈으로 환산되지는 못하더라도 예술가와 시민이 서로 공유할 수 있는 가치라면 그것을 가능한 많이 서로 나누는 것이야말로 궁극적으로 공공예술지원 정책의 목표일 것이다. 그것이 예술가뿐 아니라 시민에게도 이득이 되는 구조이다. 최근 서울문화재단이 문화 분야 사회적 기업 지원 또는 예술공장과 같은 창작공간 조성사업에서 예술가의 사회적 기여 또는 참여를 유도하는 것도 이 때문이다.

박 부산은 예술가와 향유자들을 매칭 시키는 방법이 무엇이 있을까 고민한다. 지원사업 평가에서 관객 평가의 비중을 높이고 관객들의 의견을 직접 예술가에게 전달하는 등의 방법을 고민하고 있다. 내년도에는 쌍방향 소통을 위해 다양한 방법을 준비 중이다. 그 기초자료를 위해 전자아카이브를 구축하고 있다.

사회 우수한 작품을 어떻게 만들어내느냐 만큼이나 매개에 대해 고민이 많은 것 같다.

오 좀더 근본적이고 추상적인 문제에 맞닥뜨려 있다. 지원사업이 궁극적인 예술진흥을 위한 행정인가, 모든 지역에 모든 예술이, 모든 장르가 들어가는 것이 문화정책인가, 기초예술이 각 지역에서 활성화되는 것이 문화예술지원의 목표인가 등을 스스로에게 묻는다.

전주의 사례는 지자체 정부와 팽팽한 긴장관계를 유지하며 사업을 해왔다는 면에서 특이해 보인다. 시 측에서도 산하기관으로 치부하기보다는 전주문화재단을 인정하면서도 견제하는 복잡한 형태일 것 같다. 전국의 재단이 서로 참조하면서 역할과 기능이 비슷해지는 것보다는 각자가 독특한 면을 유지하고 살려나가는 것이 중요하다고 생각한다. 정책이 이런 것들을 의문시하는 것, 서로 닮기 위해서가 아니라 각자가 독특해지기 위한 정책이 필요하지 않을까. 문화재단도 단순히 중앙정책의 수행기능을 넘어서 중앙과 지역과의 관계 속에서 자기 것을 고민하고, 그래서 지역마다 독특한 사태가 벌어지는 것이 좋을 것 같다. 하지만 지금은 고유한 정책과 제도 생산의 심도가 낮은지, 각자가 새롭다고 하나 모아놓고 보면 실제양상은 비슷해 보이는 면도 많다.

송 여러분들의 허물없는 얘기 잘 들었다. 막중한 책임감을 느끼며 잘 해야 한다는 의무감이 쌓인다. 여러분들의 얘기가 위원회뿐만 아니라 국가 정책을 수립, 시행하는 문광부에도 전달되어 공유하고 수렴되어 애로 사항이 해결될 수 있도록 노력하겠다. 감사드린다.

필자소개
김 소연 편집장은 한국문화예술위원회 다원예술소위 위원, [컬처뉴스] 편집장을 지냈다. 무대가 어떻게 세상과 소통할 것인가에 대한 관심으로 연극평론을 쓰고 있다. ‘상업지구 대학로를 다시 생각하다’‘이 철없는 아비를 어찌할까’ 등의 비평이 있다.

[예술시장]

2009-07-31T11:47:04+09:00

사회경제적 잠재력 큰 미답(未踏)의 영역

[통계로보는예술시장] 문화예술 동호회 활동

유상진 _ 성남문화재단 문화기획부 과장

최 근 문화정책의 영역에서 크게 주목받지 못했던 일상생활 속의 문화예술 동호회 활동에 대한 관심이 높아지고 있다. 그 동안 문화예술분야의 정부 정책과 지원은 예술가, 예술단체 그리고 이들의 창작활동이 펼쳐지는 공연장과 전시장 등 전문가를 중심에 놓고 추진되어 왔다. 그러나 예술창작과 전문가 중심의 정부 정책과 지원은 변화하는 국민들의 적극적이고 다양한 문화적 욕구를 해소하고 충족시키기에는 한계가 있으며 따라서 실제 국민들의 피부에 와 닿을 수 있는 체감형 정책수립과 지원의 필요성이 제기되고 있다. 또한 문화예술 동호회 활동이 갖는 사회적 의미와 경제에 미치는 파급 영향도 상당하다. 바로 이 점이 국민들의 일상생활 속 문화예술 동호회 활동이 정책적 관심을 받고 있는 주요한 이유다.

86.2% 문화예술 동호회 지속적 참여 희망

우리나라 국민들의 문화예술 동호회 활동은 최근 문화예술에 대한 국민적 관심과 참여가 과거에 비해 증대되었음에도 불구하고 서구사회와 비교하면 아직은 낮은 수준에 머물러 있다.

국가	문화예술 동호회 활동 참여 인구 비율	비고
프랑스	50%	1996년 기준
네덜란드	36%	2000년 기준
영국	10%	2008년 기준
스웨덴	20%	-
한국	2.9%	2008년 기준

[표1] 국가별 문화예술 동호회 활동 참여 인구 비율 비교
출처 :「성남문화재단 2단계 5개년 발전방안 연구」(성남문화재단, 2009) 「2008 문화향수 실태조사」(문화체육관광부, 2008)

「2008 문화향수 실태조사」에서는 우리 국민의 문화예술 동호회 활동은 전반적으로 저조한 편이지만, 동호회 활동에 참여한 사람의 경우 86.2%가 지속적인 참여를 희망하고 있고, 동호회 가입 걸림돌의 주요 이유 중 31.2%가 ‘관심 있는 동호회가 없다’고 지적하고 있다. 이처럼 동호회 활동 참여 기회 확대와 기존 활동에 대한 정책적 지원이 뒷받침된다면 발전 잠재력은 크다.

‘예술적 욕구 충족’은 물론 ‘지역 커뮤니티 발전’ 기여

영국예술위원회의 2008년 조사에 따르면 문화예술 동호회 활동은 개인에게 ‘예술적 욕구의 충족(75%)’ ‘자기 계발의 기회 제공(31%)’ ‘건강과 휴식(8%)’에 긍정적 영향을 미치는 것으로 나타났다. 또한 자발성에 기반한 문화예술 동호회 활동은 동호회 회원뿐만 아니라, 가족, 친구, 그리고 지역 커뮤니티가 서로 지식과 경험을 나누고 교류하며 함께 참여하기 때문에 사회적으로는 풀뿌리 지역 커뮤니티 발전에 기여하는 것으로 조사되었다.

이러한 결과는 우리 사회에서도 마찬가지이다. 문화예술 동호회 네트워크 구축과 지역 사회 문화공헌을 지원하고 있는 성남문화재단의 ‘사랑방문화클럽’사업의 경우 문화예술 동호회 활동을 통한 문화공동체 참여활동이 자신이 살고 있는 지역에 대한 신뢰와 소속감, 그리고 이웃과의 소통과 교류에서 상당한 성과를 이루고 있다.

[그림] 사랑방문화클럽의 문화공헌 지원사업 만족도

출처 :「성남문화재단 문화정책 대화모임 자료집」(성남문화재단, 2008)

영국, 동호회 활동 관련 지출 31% 전문 예술가 고용

문 화예술 동호회 활동은 경제적 측면에서도 그 파급력이 상당하다. 영국의 경우 문화예술 동호회 활동은 연간 5억4천3백만 파운드(약 1조 8백 억 원)의 경제적 가치를 유발하고 있으며 티켓 및 프로그램 판매, 협찬 및 기부, 그리고 기념품 판매 증 다양한 수익 구조를 형성하고 있다. 또한 동호회 활동 관련 지출비용의 31%를 전문 예술가 고용에 지출, 문화예술 동호회 활동이 전문예술가의 경제적 활동에도 상당히 큰 보탬을 주고 있는 것으로 조사되었다.

티켓	￡266,410
판매회원비/간행물 판매	￡84,260
상품 판매	￡37,080
예술위원회 복권 기금	￡31,830
광고 수입	￡25,330
협찬 수입	￡23,870
지역 정부 지원금	￡20,190
기타 복권 기금(각종 시상 제도 등)	￡16,500
재단 지원금	￡16,350
기부금	￡10,390
기타 수입	￡11,460
합 계	￡543,670

전문 예술인 고용	￡125,120
전시 및 공연 공간 임대	￡67,410
장비 및 기술 관련 인력 고용	￡58,870
기타 전문 서비스 이용(회계 등)	￡31,310
리허설 및 모임 공간 임대	￡26,600
사무용품 등 잡비	￡23,260
저작권료	￡20,370
보험료	￡14,830
교통비	￡8,510
식비	￡3,780
자원활동가 지원	￡2,880
광고 홍보비	￡2,250
기부 활동 비용	￡1,710
전문 예술단체와의 연계 비용	￡340
기타	￡18,890
합 계	￡406,130

[표2] 영국 문화예술 동호회 활동 관련 주요 수입원

[표3] 영국 문화예술 동호회 활동 관련 주요 지출 내용

출처 :「Our Creative Talent: the voluntary arts amateur arts in England」(DCMS, 2008)

개 인주의 경향이 강한 우리사회에서 일상생활 속의 문화예술 동호회 활동은 자생적, 자발적, 자치적이라는 특성을 가진 소중한 문화자원인 동시에 지역공동체를 회복할 수 있는 중요한 사회적 자원이기도 하다. 따라서 일상생활 속 문화예술 동호회 활동 지원 정책은 기존의 전문 예술가 중심적이고 고급문화 지향적인 문화복지 정책에서 실제 국민들의 문화예술 정책 체감도를 높이고 문화적 삶의 수준을 높이는데 중요한 역할을 할 것으로 기대 할 수 있다. 아울러, 궁극적으로는 문화복지 정책의 안정화와 제도화를 꾀할 수 있어 정부의 보다 적극적인 정책적 대응과 추진이 요구된다.

필자소개
유 상진은 현재 성남문화재단 문화기획부 과장으로 근무하고 있다. 한국연극협회와 서울국제공연예술제 사무국에서 근무하였으며 한국문화관광연구원에서 위촉연구원으로 문화복지, 문화도시, 국제교류 관련 연구 등에 참여하였으며, 문화체육관광부의「국제교류 실무 매뉴얼」제작의 책임연구원을 맡기도 했다.

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2009-07-31T11:43:14+09:00

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텍스타일 에디터 열기 : 1부터 9까지 사용.
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단락 선택 : 선택하려는 단락을 '클릭' 또는 '방향키'를 위아래로 이동하여 선택.
선택된 단락을 이동 : 'Ctrl+방향키' 또는 '드래그&드롭'.

익숙한 에디터 사용하기.

새로운것은 언제나 불편하다는 사실을 잘 알고 있습니다. 텍스타일 에디터는 기존에 사용하던 도구들과 다른 환경을 제공하고 있기 때문에 처음에는 낮설고 불편할런지도 모릅니다. 실제로 텍스타일 에디터는 좋은 글쓰기를 위해 기존의 글쓰기 환경이 제공하던 많은 것들을 포기하고 있습니다. 풍부한 표현보다 구조적인 글쓰기에 집중할 수 있도록 유도하는 과정에서 할 수 없는 일들이 생겨나게 되었습니다. 하지만 여러분이 이 불편한 도구에 익숙해지기위해 작은 노력과 주의를 기울인다면 여러분의 글은 틀림없이 예전보다 더 좋아질 것입니다.

여전히 텍스타일 에디터가 익숙하지 않는 분들께서는 관리자 환경의 "설정 > 쓰기환경 설정 > 편집방식 설정" 메뉴에서 "기타 편집기"를 선택 하세요. 'XpressEditor, FCKeditor, Xquared' 와 같이 기존에 여러분들이 사용하시던 익숙한 오픈소스 에디터를 그대로 사용하실 수 있습니다.

스킨 편집하기.

만약 여러분이 선택한 스킨이 컬럼 구조를 유지하고 있다면 화면의 좌우 배치를 쉽게 바꿀 수 있습니다. 모든 스킨이 이렇게 컬럼 형태를 유지하고 있는것은 아니기 때문에 손쉬운 스킨 조작 화면이 존재하는 것은 아니지만 간단하게 HTML 코드를 변경하는 것으로 가능하게 됩니다

"디자인 > HTML·CSS 편집 > HTML 편집" 화면에서 두 번째 라인 <div id="container" class="ce"> 부분을 <div id="container" class="ec"> 으로 변경하시면 화면의 좌우 배치가 바뀝니다. 이러한 설정은 '초기화' 하거나 다른 스킨을 선택했을 때 사라집니다.

모네의 정원

2009-07-30T18:13:26+09:00

Water Lilies (The Clouds)
1903
Oil on canvas
74.6 x 105.3 cm (29 3/8 x 41 7/16 in.)
Private collection

Category: 시각미술

Artist: 케슬린 [작가선생님 정보]

Grade 2 - 5, 1 Hour Workshop
Workshop Cost $75

After discussing Monet's love of gardens and his impressionist work, students will create a background of Monet's Pond at Giverny using watercolors and pastels. Then using colorful paper and tissue paper, water lilies will be pasted on the pond. This multimedia workshop combines nature and art.

View Available Schedule and Reserve this Workshop

To reserve this workshop, please click on the available date that you would like to reserve and complete the on-line form.

Artist: 케슬린

Rembrandt, Portrait of Old Man in red

2009-07-30T00:52:51+09:00

Rembrandt van Rijn (1606-1669)

Portrait of Old Man in red, 1652-1654

Oil on canvas, The Hermitage Museum, 42 x 34 inches (108 x 86 cm)

Artistclub's Blog

2009-07-29T23:07:45+09:00

아티스트클럽 블로그 홈에 오신 것을 환영합니다.

현재는 베타 테스트중입니다.

텍스타일 테스트

2009-07-29T22:34:45+09:00

큰제목이예요

ㅓㄹ미ㅏ넝림니러미ㅓ리먼ㅇ러미나ㅓ림너리머닝러ㅣㅁㄴㅇㄹ

중간제목이예용.

ㄴㅇㄹㄴㅇㄹㄴㅇㄹㄴㅇㄹㄴㅇㄹ

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Reserved Available

온라인 미술교육의 열린공간 - 아티스트클럽에 오신 것을 환영합니다.

예술의 탄생 (: The Invention of Art)

책소개

작가소개

목차

정리

이미지와 해석_마르틴 졸리

이미지와 해석 L`image et son interpretation (2002) 기본 카테고리

책소개

표지글

작가소개

목차

역자후기

럭셔리 브랜드 경영

서문

01 럭셔리 산업의 특수성

*럭셔리 산업을 특별하게 만드는 것 30

*럭셔리 제품의 성공비결 46

*주요 럭셔리 기업들 57

이미지와 해석 L`image et son interpretation (2002)

책소개

표지글

작가소개

목차

역자후기

호라티우스 형제의 맹세

2009 아시아프_아시아 대학생 청년작가 미술축제

"그림사러 새벽에 왔다"미술계 "수준 높아져" 관람하기도 훨씬 편해

Ivan Khrutsky (1810-1885)

함경아

지역문화재단 설립 현황과 흐름

[예술시장]

텍스타일의 세계로 오신것을 환영합니다!

글감 수집기를 설치해 보세요!

텍스타일 에디터를 사용해 보세요!

텍스타일 에디터를 조금 더 편리하게.

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스킨 편집하기.

모네의 정원

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중간제목이예용.

"그림사러 새벽에 왔다"
미술계 "수준 높아져" 관람하기도 훨씬 편해